[Rubrique culturelle : visite virtuelle du musée du Machu Picchu]

Version espagnole :

Machu Picchu: Visita virtual de su museo de sitio

Desde la página oficial web del Santuario histórico de Machu Picchu (www.machupicchu.gob.pe), podemos encontrar un enlace que nos permite visitar virtualmente su museo de sitio llamado Manuel Chávez Ballón. Este museo se ubica en un lugar denominado Puente Ruinas, al pie de la montaña de Machu Picchu, a aproximadamente 2000 metros sobre el nivel del mar. Asimismo, al lado del museo se encuentra el jardín botánico que fue concebido con la finalidad de conservar las plantas representativas de su ecosistema.

Foto: Pantalla de la visita virtual del museo Manuel Chávez Ballón. Ministerio de Cultura del Perú

Este museo de sitio ofrece infografías que complementan la visita de ciudadela inca, así como una exposición de piezas arqueológicas halladas durante los tiempos de la excavación. En lo que respecta al recorrido virtual, este museo cuenta con un plano (dividido en 7 secciones) que permite localizar tu ubicación actual. Puedes desaparecer el plano del museo haciendo clic en el ícono “Mapa” (ubicado en el lado inferior derecho de la pantalla). De esta manera podrás tener un mayor campo visual de esta institución.

Foto: Pantalla de la visita virtual del museo Manuel Chávez Ballón. Ministerio de Cultura del Perú

El museo lleva el nombre de Manuel Chávez Ballón como una muestra de homenaje, ya que él es considerado como el padre de arqueología cusqueña. De forma breve, he aquí algunos datos importantes de su vida profesional: En 1942, él participó en la Expedición Arqueológica en el sur del Perú, proyecto dirigido por Julio C. Tello (famoso arqueólogo peruano). Esta experiencia le sirvió para elaborar su tesis y obtener el grado de bachiller. Entre 1944 y 1945 ocupa el puesto de secretario encargado en el Museo Nacional de Antropología y Arqueología de Magdalena Vieja (hoy en día Museo Nacional de Antropología y Arqueología de Lima).

Version française :

Machu Picchu: Visite virtuelle de son musée de site

Sur le site web officiel du Sanctuaire historique de Machu Picchu (www.machupicchu.gob.pe), nous pouvons trouver un lien qui nous permet de visiter virtuellement son musée de site archéologique Manuel Chávez Ballón. Ce musée est situé dans un endroit appelé Puente Ruinas, au pied de la montagne Machu Picchu, à environ 2000 mètres au-dessus du niveau de la mer. À côté du musée se trouve également le jardin botanique qui a été conçu afin de préserver les plantes représentatives de son écosystème.

Photo: Visite virtuelle de musée Manuel Chávez Ballón. Ministère de la Culture du Pérou

Ce musée du site archéologique propose des infographies qui complètent la visite de la citadelle inca, ainsi qu’une exposition de pièces archéologiques trouvées pendant la période des fouilles. En ce qui concerne la visite virtuelle, ce musée du site comporte un plan (divisé en 7 sections) qui vous permet de localiser votre visite actuelle. Vous pouvez enlever le plan du musée en cliquant sur l’icône « Carte », situé en bas à droite de l’écran. De cette façon, vous pourrez avoir un plus grand champ de vision de cette institution.

Photo: Visite virtuelle de musée Manuel Chávez Ballón. Ministère de la Culture du Pérou

Le musée porte le nom de Manuel Chávez Ballón en son hommage car il est considéré comme le père de l’archéologie de Cuzco. Brièvement, voici quelques informations importantes sur sa vie professionnelle : En 1942, il participe à l’Expédition archéologique au sud du Pérou, sous la direction de Julio C. Tello (célèbre archéologue péruvien). Cette expérience l’a aidé à préparer sa thèse afin d’obtenir son diplôme de licence. Entre 1944 et 1945, il a occupé le poste de secrétaire en charge du Musée national d’anthropologie et d’archéologie de Magdalena Vieja (aujourd’hui Musée national d’anthropologie et d’archéologie de Lima).

Article de : MENDOZA GONZALES Carlos Alberto

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[Comment les réseaux sociaux ont bouleversé l’industrie musicale]

Nous voilà arrivés, tant bien que mal, à la fin de l’année 2020. Si celle-ci aura été marquée par une crise sanitaire mondiale, elle aura également vu l’avènement d’une application à l’origine de plusieurs phénomènes musicaux ayant bousculé les charts : TikTok.  

Ainsi, voilà l’occasion de revenir sur deux décennies d’innovations 2.0 ayant modifiées structurellement l’industrie musicale.  

De Myspace à TikTok : l’influence grandissante d’internet dans le milieu musical 

C’est avec le site web Myspace, fondé en 2003 aux États-Unis, qu’internet commence à s’immiscer dans le milieu très fermé de l’industrie musicale. 

Le principe est très simple : des artistes indépendants peuvent publier leurs créations sur leur page afin de se faire connaître du public, mais surtout des potentielles maisons de disques.

Ce réseau social a ainsi permis l’émergence de nombreux artistes désormais mondialement connus. On peut citer par exemple Lilly Allen qui y a rencontré le succès en 2005 suite à la publication de plusieurs démos de ses chansons.

Le groupe britannique Arctic Monkeys, dont l’histoire a dû faire rêver les groupes de rock amateur du début des années 2000, a également commencé sur Myspace. En effet, ces derniers donnaient régulièrement des concerts dans les pubs de Sheffield, leur ville natale, et en profitaient pour donner gratuitement au public des CD’s de leurs premiers titres. C’est alors que l’un de leur fan a décidé de créer une page Myspace au nom du groupe et d’y poster leur musique. Celle-ci y connu un succès tel qu’elle parvint aux oreilles du label indépendant Domino Records qui leur proposa un contrat. Cette signature devenant le point de départ d’une reconnaissance internationale.

Si Myspace a dominé ce secteur jusqu’à la fin des années 2000, il se fit vite concurrencer par une autre plateforme digitale, Soundcloud, créée en 2007. En effet, celle-ci présentait l’avantage de permettre aux artistes de publier leurs créations non seulement sur leur compte Soundcloud, mais également sur d’autres réseaux sociaux comme Facebook ou Twitter, leur œuvre touchant alors une plus large audience. 

Le site devint alors l’un des repères privilégiés des rappeurs américains qui y ont connu leurs premiers succès. Chance the Rapper, XXXTentacion, ou encore Lil Pump, faisant aujourd’hui partie des incontournables de la scène hip-hop de ces dernières années, y ont ainsi fait leurs débuts. 

Tik tok, la révolution aux chiffres astronomiques

Difficile de passer à côté de l’application phare du moment : TikTok. Si vous n’en avez pas encore entendu parler, c’est sans doute car vous en avez passé l’âge. L’application est en effet surtout populaire auprès des 10-19 ans qui représentent à eux seuls la majorité des utilisateurs. 

TikTok en quelques mots est une application de partage de vidéos de moins de 60 secondes. Lancée en 2017 par une entreprise chinoise (aujourd’hui devenue la start-up la plus valorisée au monde), elle rencontre un véritable succès grâce à ses nombreuses fonctionnalités : l’utilisateur peut mettre la musique de son choix dans sa vidéo, y ajouter de nombreux effets ou encore participer à des challenges. Les possibilités sont infinies, permettant ainsi l’émergence de nouvelles tendances quasi-quotidiennes. 

Le premier compte TikTok en termes d’abonnés est celui de la jeune américaine de 16 ans ayant atteint récemment 100 millions de followers. Elle est connue principalement pour ses chorégraphies reproduites ensuite par les utilisateurs  

En 2020, l’application a dépassé les 2 milliards de téléchargements, chaque mois se sont plus de 689 millions d’utilisateurs qui ouvrent l’application, dont 11 millions de français. Le confinement y étant sans doute pour beaucoup. 

Ces chiffres astronomiques en font une plateforme idéale pour propulser, du jour au lendemain de nouvelles personnalités. Plusieurs « success story » y ont alors vu le jour. 

Un des exemples les plus parlant serait sans doute le chemin parcouru par le hit Old Town Roaddu rappeur Lil Nas X. Après avoir acheté le beat de la chanson pour 30$ à un producteur néerlandais, et y avoir posé son texte, Lil Nas X publie fin 2018 la première version de son titre Old Town Road. La chanson se fit alors connaître grâce au « Yeehaw Challenge » sur TikTok où des utilisateurs se filmaient en train de danser dessus. Le succès fut tel que le titre entra à la 83èmeplace au Billboard Hot 100, permettant alors à Lil Nas X de signer chez Columbia Records.

C’est cependant grâce au remix issu de la collaboration du rappeur avec le chanteur de country Billy Ray Cyrus que la chanson atteint les records en étant la première à rester durant dix-neuf semaines consécutives à la première place du Billboard Hot 100. 

Des artistes français ont également décollés grâce à l’application. C’est le cas de la jeune chanteuse de 16 ans, Wejdene. D’abord repérée sur Instagram, elle publie début 2020 une vidéo TikTok où elle se met en scène sur sa chanson Anissa. Encore une fois, c’est grâce aux utilisateurs de la plateforme, ayant créé leur propre chorégraphie sur la chanson, que celle-ci connu le succès : près de trois mois après sa publication sur TikTok, le titre Anissa fut certifié disque de platine. 

@wejdene.bk

Heyy mes amours, voici le fameux challenge Anissa 😻🥳💋🤍 A vous de jouez ! 🥰 #challengeAnissa

♬ son original – Wejdene

Des relations entre artistes, maisons de disques et consommateurs redéfinies

Ainsi, l’ascendant que les maisons de disques ont eu pendant longtemps sur les artistes émergents tend à se modifier. La manière dont les labels promeuvent leurs artistes, mais également la façon dont ils les découvrent a considérablement évolué avec l’omniprésence d’internet. La musique est désormais créée, découverte et diffusée sur le web. 

Nous l’avons vu, ce sont les utilisateurs des réseaux sociaux qui font émerger de nouveaux artistes et qui deviennent en quelque sorte les « découvreurs de talents ». Les labels vont alors miser sur les nouvelles chansons rencontrant un certain succès sur TikTok, en espérant que celui-ci se diffuse sur les plateformes de streaming. 

Les stratégies marketing des maisons de disques sont également orientées vers la promotion de leurs artistes à travers les réseaux sociaux. Rares sont désormais les artistes pop qui n’ont pas créé leur compte TikTok : l’application est devenue un nouveau mode de diffusion de contenus musicaux auprès du jeune public qui s’avère efficace, des millions de consommateurs se connectant quotidiennement dessus. 

Article de : Fatma Kebe

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[75ème anniversaire de l’UNESCO : au cœur des sciences humaines et sociales]

L’UNESCO est l’organisation des Nations unies pour l’éducation, la science et la culture. Jusque-là, on ne vous apprend rien. Mais saviez-vous que les sciences auxquelles s’intéressent cette organisation ne sont pas uniquement naturelles mais aussi sociales et humaines ? Si ce n’est pas le cas, notre antenne vous fait part de ce savoir, en guise de cadeau pour le 75e anniversaire de l’UNESCO !

Les sciences sociales et humaines occupent une place capitale dans l’agenda de l’Organisation. Chaque jour l’UNESCO accompagne ses 193 États Membres en vue de mieux comprendre chaque culture et d’œuvrer ensemble, dans l’objectif d’aboutir à une paix durable. Dans l’élaboration de cette paix durable, l’Organisation étudie chaque société, qui se diversifie constamment, et propose des missions spécifiques dans les différentes sphères comprenant des lacunes afin de les éliminer.


Pour ce faire, l’Organisation porte son regard sur les différentes transformations sociales que connaissent les sociétés. Les causes de ces transformations sont multiples : elles vont des changements environnementaux aux crises économiques, en passant par la mondialisation. Afin de remédier aux effets néfastes des transformations sociales – que sont l’accroissement de la pauvreté, de l’inégalité et la non-application des droits fondamentaux – l’UNESCO met en place le programme pour la Gestion des transformations sociales (MOST). Ce programme traite essentiellement la question de l’inclusion sociale, ainsi que celle des dimensions sociales du changement climatique (1).


Les activités de l’Organisation ne s’arrêtent pas là. Penser les sciences sociales et humaines, c’est aussi étudier le sport. Comme nous le voyons tous les quatre ans, les jeux olympiques d’été sont semblables à une énorme fête fédérant des communautés de tous horizons, et brisant toutes barrières sociales et frontières géographiques. C’est en ce cela que l’UNESCO sera attentive aux jeux olympiques de 2024, qui se dérouleront à Paris – là où se situe le siège social de l’Organisation – et dont l’événement pourrait s’inscrire au patrimoine immatériel mondial de l’UNESCO (2). Ce sera alors l’occasion de prolonger le travail que réalise l’Organisation dans sa lutte contre le dopage dans le sport.


Au vu de tout ce que l’UNESCO réalise dans le but d’enrichir le domaine des sciences humaines et sociales, force est de constater que le programme pour la gestion des transformations sociales ainsi que sa focale sur le sport ne sont que la partie visible de l’iceberg. En effet, les travaux portés par l’Organisation dans le thème des sciences sociales sont multiples et hétéroclites, comme le montrent ses missions pour promouvoir la citoyenneté mondiale, le dialogue interculturel, la culture de la paix et de la non-violence, ou encore l’éthique des sciences et des technologies.
Pour le 75e anniversaire de l’UNESCO, l’antenne de SONU prévue à cet effet propose aux plus curieux d’entre vous d’explorer les différentes autres missions de l’Organisation, sur le thème des sciences sociales et humaines, en cliquant juste ici : https://fr.unesco.org/themes/apprendre-%C3%A0-vivre-ensemble

  1. https://fr.unesco.org/themes/transformations-sociales/most
  2. https://www.leparisien.fr/sports/JO/paris-2024/paris-2024-veut-faire-entrer-l-esprit-olympique-au-
    patrimoine-de-l-unesco-07-10-2019-8167533.php

Article de : Jonathan Katende

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[16 novembre 2020 : 25ème journée internationale de la tolérance]

Aujourd’hui, nous célébrons la journée de la Tolérance. Son histoire remonte à 1995 lors du cinquantième anniversaire de l’Acte constitutif de l’UNESCO, adopté ce même jour en 1945. Voilà donc un quart de siècle qu’a été rédigée La Déclaration de principes sur la tolérance qui affirme la ligne directrice des missions menées par les États membres des Nations unies.

S’en est suivi la création du Prix UNESCO-Madanjeet Singh 2020 visant à faire reconnaître les fruits de la tolérance et de la non-violence. Il est décerné cette année au Centre de Résolution de Conflit pour son action en République démocratique du Congo.

Protéger l’enfance, un combat pour l’avenir

C’est au nord-est de la RDC où les conflits armés sont endémiques que depuis 10 ans, le CRC vient au secours d’enfants soldats et les aide à réapprendre une existence digne de leur jeunesse, en termes d’éducation, d’attachement culturel et d’accès à  la formation. La plupart de ces jeunes soldats ont entre 7 et 16 ans et se sont enrôlés volontairement à force de précarité ou bien ont été kidnappés parfois directement dans leurs écoles. En orchestrant une médiation sur le long terme, avec l’aide d’agences de protection de l’enfance, la mission des Nations Unies au Congo, et en facilitant le dialogue entre les dirigeants de ces groupes armés, près d’un millier d’enfants ont quitté les armes et ont bénéficié d’un accompagnement quant aux séquelles que créent ces expériences à ce stade essentiel de la vie.

L’éducation, ou comment donner toutes les possibilités

Outre cette protection du vol de l’enfance, cette organisation participe activement au rétablissement de l’entente entre les communautés congolaises en créant un cercle vertueux de communication. L’intolérance a ici donné lieu à des persécutions violentes,  alors les membres du CRC ont pour objectif d’éviter ces conflits en créant une communication fondée sur la compréhension mutuelle.

En acte, cela signifie que des formations ont été dispensées dans des coopératives agricoles pour permettre localement de meilleures capacités d’exploitation en matière d’innovation agraire et de gestion financière des exploitations, dans un climat le plus pacifique possible.

A travers ce rassemblement éducatif au travail ayant pour but d’améliorer la coexistence des communautés, ce sont plusieurs générations locales qui voient éclorent les fruits de la patience et de la détermination du Centre Résolution Conflits. L’impact socio-culturel de cette initiative est encouragé par l’Unesco et le prix décerné aujourd’hui hisse ses acteurs au titre d’exemples à suivre dans le processus de création d’une paix durable.

La médiation comme principe actif

Le nerf de la guerre civile entre les communautés résulte de la difficulté à “faire société”. La tolérance inhérente à ces initiatives constructrices applique raisonnablement les préceptes d’une médiation, d’un dialogue pacifique, qui manquent cruellement en République Démocratique du Congo. Le CRC assume alors différentes fonctions: celle de recréer ce lien social, puis de prévenir les conflits et de les résoudre en se plaçant en tant que tiers dans les discussions.

Ces dix dernières années de travail sur place avec l’aide de l’UNICEF a permis de contrer de lourdes craintes de stigmatisation entres les communautés. C’est précisément dans l’instauration systématique de ces dialogues interethniques que le CRC se porte garant de la responsabilité et de la liberté des personnes aidées. Une fois les enfants instruits, et les tribus réconciliées par la formation aux dynamiques de production, les paroles se rencontrent et s’expriment au-delà de hiérarchies insidieuses.

En 2019, la carte interactive du site Peace Insight résumait en cinq points les projets menés à bien par le CRC:

  • Médiation entre les milices et les forces des Nations Unies pour obtenir la libération en toute sécurité de 5 000 villageois pris en otage;
  • Négociation avec la milice Maï-Maï pour obtenir la libération des enfants qu’ils avaient enlevés pour les utiliser comme enfants soldats;
  • Intervention dans le camp de réfugiés d’Eringeti, qui abrite 30 000 personnes ethniquement diverses, où de violents combats avaient éclaté;
  • Mettre en place un comité de paix impliquant les anciens de chaque clan, l’ONU, les politiciens locaux, les services de sécurité et les groupes religieux; et
  • Former différentes tribus à éviter et résoudre les conflits.

Article de : Albane Levesque

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[Actualités de l’UNESCO: Les 50 ans de la Convention contre l’importation, l’exportation et le trafic des biens culturels mondiaux]

Le 14 novembre prochain, cela fera cinquante ans que la Conférence générale de l’UNESCO a adopté la Convention concernant les mesures à prendre pour interdire et empêcher l’importation, l’exportation et le transfert de propriété illicites des biens culturels. C’est l’occasion d’en faire un historique, afin de comprendre l’évolution et les enjeux d’une Convention visant à protéger les biens culturels à l’échelle mondiale. 

Naissance d’une Convention novatrice

Au lendemain de la Seconde Guerre Mondiale, le contexte est propice aux revendications indépendantistes des pays colonisés par des puissances alors affaiblies par le combat. Les pays ayant acquis leurs indépendances dans les années 1960 réaffirment leurs demandes de récupérer les éléments précieux de leur patrimoine culturel. Aussi, le constat est celui que la paix ne durera que si les accords politiques sont accompagnés par une solidarité morale et culturelle. La Convention de 1970 cristallise ces idéaux. Si elle compte aujourd’hui 140 Etats parties, elle entre en vigueur en 1972 avec la Bulgarie, l’Equateur et le Nigéria. Les premières nations à accepter et/ou ratifier la Convention sont celles ayant fait l’objet de pillages massifs, et il faut attendre une vingtaine d’années pour que les grandes puissances colonisatrices l’acceptent à leur tour. Par exemple, la France l’accepte en 1997, le Royaume-Uni en 2002 et la Belgique en 2009. 

Lors de la 16e session de sa Convention, l’UNESCO se place en pionner dans la lutte contre le trafic illicite des biens culturels. La visée est de protéger un patrimoine culturel matériel mondial, terrestre comme subaquatique. Protéger les biens culturels relève d’un devoir de mémoire, ainsi que de sauvegarde et construction de l’identité des peuples. Les trois principes de la Convention sont la prévention, la restitution, et la coopération nationale. Pour connaître les réalités nationales, les pays s’engagent à publier des rapports nationaux pour décrire l’avancée des mesures prises pour protéger les biens culturels. Les Etats parties se rencontrent lors de Réunion, organe souverain de la Convention, et la dernière s’est tenue en mai 2019.

Un cadre juridique international

L’UNESCO présente aujourd’hui la Convention comme juridiquement contraignante, puisqu’elle donne un cadre commun aux Etats parties, leur imposant de frapper de sanctions pénales ou administratives les acteurs contribuant au trafic illicite. Cependant, la Convention fait face à de nombreux obstacles depuis sa création: la territorialité des lois et la prévalence du droit interne, les faits uniquement postérieurs à 1970, l’absence de ratification par tous les Etats l’ayant acceptée, l’absence de coopération internationale effective… C’est la Convention UNIDROIT de 1995 qui a élaboré la Convention sur les biens culturels volés ou illicitement exportés pour résoudre les impuissances du texte de 1970. Une coopération est promue entre les pays, qui s’engagent à assurer un traitement uniforme dans la restitution des biens culturels volés. 

La Convention pose dès 1970 les principes de solidarité, d’équité culturelle et de responsabilité collective, et permet ainsi la protection d’un patrimoine culturel mondial. Dans son cadre, l’UNESCO a créé des formations pour sensibiliser et renforcer sa mise en œuvre, et s’est alliée aux professionnels et grandes institutions internationales engagés dans la lutte contre le trafic illicite de biens culturels. Une base de données sur les lois internationales, un Code de déontologie pour l’identification des objets avant leur acquisition (1997), et un certificat type d’exportation (2005) ont été créés pour contrôler la circulation des biens. En somme, la Convention régit un nouvel ordre culturel international, et exerce une grande influence sur l’opinion publique.

Des efforts toujours actuels en temps de pandémie 

Pourtant, le commerce illicite représente de 10 milliards de dollars chaque année, le plaçant troisième après le trafic de drogues et d’armes. Les objectifs de la Convention ont été mis à mal par une pandémie affaiblissant les mécanismes de surveillance et de protection des sites archéologiques, des musées, et que le trafic illicite en ligne se renforce. Lors d’une conférence le 26 juin dernier, des experts ont identifié le désintérêt des polices nationales des sites culturels et la volonté des particuliers de trouver un revenu complémentaire comme explications de ce regain. Les réseaux sociaux sont un espace propice à celui-ci, et largement utilisés par les grandes organisations criminelles. Facebook comme Instagram ont reconnu que leurs plateformes servaient à la vente d’objets pillés, et même à un « pillage sur commande », depuis 2011. Un autre phénomène est la vente aux enchères d’objet d’art en direct, où les objets sont exhumés et présentés devant l’acquéreur, dans un souci d’authenticité. 

Les enjeux restent entiers concernant les restitutions, et le débat est constamment réactualisé notamment par les récentes actions réalisées dans les musées du Louvre ou du Quai Branly. Pourtant, il semble que les rouages des restitutions commencent à accélérer leur cadence… affaire à suivre. 

Les 50 ans sur les réseaux sociaux : Le vrai prix de l’art 

L’UNESCO lance par ailleurs la campagne #TheRealPriceofArt sur les réseaux sociaux pour sensibiliser à la valeur réelle des biens culturels, et aux conséquences désastreuses de leur trafic illicite. Chaque visuel présente un objet intégré à la décoration intérieure de l’acquéreur, et une description vient rappeler le contexte et les acteurs de l’excavation. Par ailleurs, le 14 novembre prochain marquera la première édition de la Journée internationale de lutte contre le trafic illicite de biens culturels. Dans son cadre, une conférence internationale se déroulera à Berlin du 16 au 18 novembre, afin d’analyser les enjeux actuels pour chaque région du monde et d’échanger sur les solutions possibles. 

Programmes passionnants pour les jours et années à venir, restez connectés ! Si vous souhaitez voir l’historique de la Convention en images : https://en.unesco.org/fighttrafficking/gallery 

Article écrit par Emma Letard-Kerbart

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Journée Mondiale du Patrimoine Audiovisuel

Aujourd’hui a lieu la journée mondiale du patrimoine de l’audiovisuel, une journée organisée par l’UNESCO pour rendre compte de l’importance de la conservation des enregistrements audio-visuels.

La préservation de ces documents, de ces pellicules qui s’abîment de jour en jour est un enjeu majeur pour notre mémoire. À cette occasion nous mettons en lumière les actualités du Centre Audiovisuel Simone de Beauvoir crée en 1982 par trois militantes féministes : les réalisatrices Carole Roussopoulos, Iona Wieder, et l’actrice Delphine Seyrig. Ce centre est « au cœur de leurs objectifs la conservation et la création des documents audiovisuels qui ont alors pu être recensés concernant l’histoire des femmes, leurs droits, leurs luttes, leurs créations ».

Retrouvez le documentaire touchant et engagé : « Delphine et Carole, insoumuses » sur le combat de ses trois femmes pour la préservation des documents audiovisuels féministes. À cette occasion le pôle vous a fait une sélection de ses films préférés avec Delphine Seyrig :

  • Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles est un film franco-belge, long métrage en couleurs de Chantal Akerman, réalisé en 1975
  • Peau d’âne est un film musical français écrit et réalisé par Jacques Demy, sorti en 1970 ;
  • Le Charme discret de la bourgeoisie est un film français de Luis Buñuel, sorti en 1972
  • SCUM manifesto est un documentaire réalisé par Carole Roussopoulos en 1976.

Le pôle UNESCO vous a aussi fais une petite sélection de films à l’occasion de cette journée, à consommer sans modération !

  • Roma, 2018, film de Antonio Cuarón, avec Yalitza Aparicio, nommée Ambassadrice de bonne volonté de l’UNESCO pour les peuples autochtones pour un mandat, ouvre le rideau, sur une période d’une année, de la vie  tumultueuse d’une famille de la classe moyenne mexicaine des années 70. Film disponible sur Netflix.
  • Persepolis, 2007, de Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud, la vie à Téhéran en 1978, la chute du régime du Chah, l’instauration de la République islamique, la guerre contre l’Irak ne sont pas des obstacles pour la pensée libre de Marjane.
  • Les 400 coups de Truffaut : C’est le premier long métrage du réalisateur français, qui comprend de nombreux éléments  autobiographiques. Il rencontre immédiatement un immense succès critique, et est primé à Cannes en 1959. On suit le parcours du jeune Antoine Doinel, enchaînant les bêtises et les mensonges à l’école et chez ses parents. Ce film est une véritable perle en terme de mise en scène et est emblématique de la Nouvelle Vague,  offrant une représentation de l’enfance d’une grande sincérité. Le film est disponible sur Netflix.
  • Pierrot le fou, 1965 Ce film réalisé par Jean Luc Godard est emblématique de la nouvelle vague française. Empreint d’une énergie folle et d’une grande poésie vous y verrez Jean Paul Belomondo et Anna Karina face à l’aventure de leur vie. 
  • Memento, 2000 Réalisé par Christopher Nolan ce film psychologique vous emportera dans la soif de vengeance d’un homme, victime de troubles de la mémoire. 
  • La Notte, 1961 Ce film italien raconte l’histoire d’un couple dont l’amour se perd. Découvrez Jeanne Moreau et Marcello Mastroianni entre errance nocturne, silence, lecture et séduction. 
  • Le charme discret de la bourgeoisie, réalisé en 1972 par Luis Bunuel, autre grande figure de la nouvelle vague, rassemble autour de dîners fastueux et sans fin une bourgeoisie burlesque. Bunuel joue du comique de répétition, dans une atmosphère onirique qui lui est fidèle. Le thème du dîner entre amis est prétexte à de très beaux plans de repas, de plats que l’on ne termine jamais… Vous pouvez retrouvez ce film alléchant sur la cinetek, Univercinéet bien d’autres plateformes. 
  •  Les enfants du Paradis, de Marcel Carné, 1945, une des rares productions françaises réalisées sous l’Occupation,  scénario écrit par le poète Jacques Prévert, l’intrigue se déroule à Paris en 1828
  • Metropolis, 1927 réalisé par Fritz Lang, ce film de science fiction est un film en avance sur son temps qui est rythmé par la lutte des classes et la métaphysique.
  • Elephant Man, 1980, réalisé par David Lynch, ce film en noir et blanc tiré d’une histoire vraie pointe du doigt l’intolérance devant la différence. 
  • Sibel, 2018 réalisé par Çagla Zencirci et Guillaume Giovanetti : ode à la libération face aux tabous d’un village, à la force d’une femme en marge d’une société patriarcale et à une langue traditionnelle à protéger… Sibel est une coproduction européenne retraçant le combat d’une femme muette pour vaincre le rejet des habitants d’un village turc étouffé par ses tabous. 
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[Drunk, un film à consommer sans modération]

0,5 grammes : c’est la quantité d’alcool qu’il manquerait à chaque être humain pour être au maximum de son potentiel. Cette hypothèse à première vue plutôt fumeuse, quatre amis se mettent au défi de la tester.

Les protagonistes de ce long métrage réalisé par Thomas Vinterberg sont professeurs dans un lycée au Danemark. Accompagner les élèves dans la préparation de leur diplôme, entrainer l’équipe de football, diriger la chorale de l’établissement : nous suivons le parcours et les difficultés que ces professeurs rencontrent dans leur quotidien. Ainsi, Thomas Vinterberg offre un tableau du système scolaire danois, ainsi que des difficultés auxquelles élèves et professeurs sont confrontés : harcèlement scolaire et peur de l’échec pour les premiers, remise en cause des méthodes d’enseignement et perte de confiance en soi pour les seconds. Ce sont donc des personnages perdus, traversés par le doute qui sont dépeints.

Face à la fin des certitudes, la perte d’assurance, la prise de conscience que l’on ne sait rien, que l’on vieillit, la solution pour laquelle cette bande d’amis opte est ainsi de boire pour avoir constamment 0,5 grammes d’alcool dans le sang. L’enjeu de cette expérience est d’autant plus fort qu’elle se déroule dans le cadre scolaire : les personnages réalisent que leur façon d’apprendre ne fonctionne plus. Ils veulent retrouver leur vocation première : former leurs élèves, les aider à devenir meilleurs, leur apporter plus. Il ne faut donc pas s’y méprendre : Drunk n’est pas tant un film sur l’alcool que sur l’ivresse, la joie et l’élan de vie qu’il procure.

Si le postulat peut sembler comique, presque ridicule, le spectateur se laisse entraîner par cette ivresse, ce bonheur retrouvé ; tout comme les personnages, nous ne savons pas comment cette expérience va aboutir. Thomas Vinterberg montre bien sûr ses terribles dérives, sans pour autant être dans un quelconque jugement. Il préfère dépeindre la complexité de ses personnages, de leurs situations, plutôt que délivrer une morale presque démagogique sur les dangers de la consommation d’alcool. Cet alcool qui consume peu à peu les personnages peut tout de même être source de lumière et de chaleur. C’est bien cette ambiguïté qui rend ce film très touchant.

L’histoire est servie par une musique enivrante et une photographie cristalline, claire, à l’image des multiples boissons qui apparaissent à l’écran, toujours très esthétiques. Les acteurs principaux (Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe) livrent de plus une performance remarquable, explorant toute la palette des différents états d’ébriété. Alors qu’il est maintenant bien compliqué d’aller boire un verre entre amis, voir Drunk au cinéma est une expérience presque jouissive, c’est la touche d’ivresse qu’il nous manque tant en cette période difficile. Au-delà du très bon moment que l’on peut passer au visionnage de ce film, il est très important d’aller au cinéma aujourd’hui. Les salles et le secteur culturel en général souffrent terriblement de la crise de la COVID-19. Voir Drunk en salle, c’est ainsi soutenir le cinéma européen, et peut-être découvrir le réalisateur danois Thomas Vinterberg, dont la filmographie vaut vraiment le détour. À consommer sans modération !

Article de : Charlotte Morel

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[Le Vol du Boli, ou la rencontre artistique entre deux continents]

Vendredi 9 octobre dernier avait lieu la dernière représentation de l’opéra Le vol du Boli ; un conte musical, retraçant le chemin d’un fétiche malien, le boli, entre Europe et Afrique, du 13ème au 21ème siècle. Collaboration entre plusieurs artistes internationaux, cette œuvre a été l’occasion de redéfinir la relation entre les deux continents.

La genèse du projet

Le vol du Boli est né de l’initiative du théâtre du Châtelet qui avait proposé à Damon Albarn en 2018 de réaliser un « opéra africain » dans le cadre de la saison Africa 2020, un projet de l’Institut Français souhaitant mettre à l’honneur les différents états d’Afrique.

Ce n’est pas la première fois que le théâtre et le leader des groupes à succès Blur et Gorillaz collaborent, puisque celui-ci avait déjà créé deux opéras en 2007 et 2016 : Monkey Journey to the West, adaptation d’une légende chinoise, et Wonder Land, inspiré du conte de Lewis Carroll Alice au pays des merveilles.

Cependant, Damon Albarn ne se sent pas légitime pour créer, seul, un opéra africain : il n’est pas question pour lui de perpétuer une tradition occidentale occultant la parole des concernés. Il fait alors appel au cinéaste mauritanien multicésarisé pour son film Timbuktu, Abderrahmane Sissako pour réaliser le livret et la mise en scène.

Le duo ainsi constitué, ils décident de construire leur opéra autour d’une histoire tirée du carnet de route de l’ethnologue Michel Leiris, L’Afrique fantôme publié en 1934. Il y raconte un vol qu’il a lui-même commis lors de son expédition Dakar-Djibouti dans les années 30 : celui d’un « boli », un fétiche sacré des populations bamana au Mali, désormais exposé au musée du Quai Branly à Paris.

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Boli exposé au musée du Quai Branly

Crédits : RMN-Grand Palais/ Patrick Gries

Symbole d’un lien entre l’Europe et l’Afrique caractérisé notamment par l’exploitation à tout niveau du premier sur l’autre, ce vol du boli va devenir le prétexte parfait pour retracer la relation entre les deux continents sur plusieurs siècles.

Une véritable fresque historique

Commence alors une incroyable odyssée à travers différents tableaux narrant plusieurs siècles de l’histoire africaine. De l’Empire mandingue au 13ème siècle à l’apogée de la mondialisation du 21ème siècle, on passe par la traite des esclaves, la colonisation, l’exploitation des richesses par l’Occident ou encore le recours aux tirailleurs durant la Première Guerre mondiale.

La tâche parait presque trop grande pour un spectacle de moins de deux heures. On regrette alors que chaque partie de l’histoire ne soit qu’effleurée.

Cependant comme l’affirme Abderrahmane Sissako à la revue Numéro (18 septembre 2020) ; « Paradoxalement, l’Afrique est un continent dont on parle beaucoup, mais qu’on entend peu. Ce spectacle vient raconter l’Afrique, […] l’histoire des peuples oubliés dont l’histoire est trop souvent racontée par les autres ».

Cet opéra devenant l’une des rares occasions où l’histoire de l’Afrique n’est pas racontée sous le prisme de l’Occident, on excuse alors cette volonté de vouloir tout aborder.

Par ailleurs, Le vol du Boli ne se contente pas d’effectuer une rétrospective historique, l’œuvre cherche à s’inscrire dans l’actualité. D’abord avec la question de la restitution des œuvres d’arts pillées dans les colonies occidentales qui agite depuis quelques années le milieu culturel.

Mais également avec un hommage inattendu rendu en plein milieu du spectacle à George Floyd, cet homme noir décédé suite à son interpellation par un policier blanc à Minneapolis aux États-Unis en mai 2020. Durant plusieurs minutes, le public a fait face, dans l’incompréhension, à un écran projetant un fond marin, avant que ne s’affiche les derniers mots de la victime : « Please, please, I can’t breathe » ainsi qu’un chronomètre affichant 8 minutes 46, la durée de la longue agonie de George Floyd. Silence respectueux dans la salle, le spectacle reprend.

Un opéra riche de plusieurs influences

Si l’histoire relate une relation inégale entre l’Europe et l’Afrique, il en est tout autre sur scène. On assiste à une véritable osmose entre plusieurs cultures avec des musiciens professionnels, des comédiens et danseurs français, anglais et africains où les différentes langues s’entrecroisent.

Ce mélange donne naissance à une musique métissée et contrastée où l’association d’instruments africains et européens autant que le mix de musiques électronique et acoustique fait tour à tour frémir et bouger les spectateurs. En parallèle, la voix intense de la chanteuse malienne Fatoumata Diawara, s’unit à celle d’une chorale grégorienne et à celui du chant des griots.

On reconnait ici l’empreinte et le génie des compositions musicales de Damon Albarn reposant souvent sur la collaboration entre plusieurs genres musicaux.

La force de cet opéra apparait alors : restituer et dénoncer une réalité historique tout en ne tombant pas dans une leçon moralisatrice faite à l’Occident. Cela n’a d’ailleurs jamais été l’intention confie Dorcy Rugamba, auteur et metteur en scène rwandais du spectacle à Le Point Afrique (7 octobre 2020) ;  « Notre proposition artistique veille à ne pas apitoyer le monde sur l’histoire de l’Afrique. Il ne s’agit pas d’enfermer le continent dans son rapport douloureux avec l’Occident. En même temps, il est impossible de comprendre le monde et l’Afrique sans cette histoire. Ce serait mettre des œillères, fermer les yeux face à une réalité qui s’impose à nous. »

Le vol du boli est une œuvre qui fait du bien et prouve que oui, il est possible, en tout cas par l’art, d’envisager un autre rapport entre l’Europe et l’Afrique que celui d’une constante confrontation. Cette relation peut même être célébrée, en illustre la standing ovation offerte par les spectateurs applaudissant la communion entre plusieurs cultures dont ils ont été témoins et acteurs durant un moment hors du temps.

Si en raison de la crise actuelle seules trois représentations du Vol du Boli ont eu lieu sur les 17 prévues initialement, vous pourrez retrouver la troupe du spectacle lors de la saison 2021-2022 du théâtre du Châtelet.

Article de : Fatma Kebe

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[Idées de sorties : Nuit Blanche Paris 2020]

L’édition 2020 des Nuits Blanches, manifestation d’art contemporain à ciel ouvert est maintenue le 3 octobre et s’adapte aux conditions imposées par la crise sanitaire. Par groupes de 10 maximum, vous pourrez vous balader autour d’installations dans la rue, les jardins et musées de Paris et de sa banlieue.

La nuit blanche se compose en deux parcours, sur chaque rive de la capitale pour favoriser la déambulation en extérieur.

Sur la rive droite, vous pourrez admirer de l’art contemporain du Petit Palais jusqu’au Musée d’art moderne. Le musée met en avant cinq artistes : Sheila Hicks, Louise Bourgeois, Ian KIaer, Jimmie Durham et Gaëlle Choisne. Rive gauche, le parcours s’étendra du musée Bourdelle à la Grande Mosquée de Paris. L’édifice religieux abritera la vidéo d’Ariane Michel à voir dans le jardin et le pattio principal.

Le palais Galliera accueille une jungle sonore imaginée par Dominique Gonzalez Forester.

À l’École nationale supérieure des Arts décoratifs, Eléonore Geissler présente un théâtre visuel sur les façades du bâtiment.

À l’extérieur de la Villa Vassilief l’artiste Jumana Emil Abboud présentera une installation vidéo.

Au musée Zadkine, Laurent Grasso installe des sculptures d’enfants.

Au Petit Palais ,l’artiste Françoise Pétrovitch a imaginé une installation suspendue jouant avec les sons, les lumières et l’architecture du musée. Autour du Palais, les vidéos d’Agnès Guillaume seront diffusées dans les jardin sur le thème de la condition humaine, un « jardin de lumière » retravaillant le tapis persan et le bouqet de tulipes de Jeff Koons.

La mairie de Paris a invité des artistes à investir la ville tel que Laure Proost et Boris Achour au Boulevard Edgar Quinet qui ont installé un poème de Johannes Scheffer retranscris en néon sur près de 150 mètres de long.

Les musées parisiens accueillent 20 installations extérieures. Au Musée Bourdelle, vous pourrez redécouvrir les statues du musée sur le son électro de Voiski et vous pourrez voir l’installation vidéo d’Anne-Charlotte Finel dans les jardins.

Voici une liste non exhaustive des lieux accueillant des installations à l’occasion des nuits blanches :

Musée d’art et d’histoire du Judaïsme, Musée Picasso, Centre Pompidou, Musée des Arts et Métiers, Collège des Bernardins, Canopée des Halles, Centquatre, Musée du Luxembourg,  Musée Bourdelle, Villa Vassilieff, boulevard Edgar Quinet, Grande Mosquée de Paris, Musée Zadkine, Petit Palais, Musée d’Art Moderne de Paris, Palais Galliera, École nationale supérieure des Arts décoratifs, esplanade Gaston Monnerville.

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[Idées de sorties : De Chirico, La peinture métaphysique, exposition au musée de l’Orangerie]

Du 16 septembre au 14 décembre 2020 se tient au Musée de l’Orangerie l’exposition : De Chirico, la peinture métaphysique.

Au travers de son œuvre, l’on ressent une certaine fascination pour ses paysages urbains vides à la fois angoissants et oniriques. La perspective infinie, les rues désertes ainsi que la violence de l’éclairage défamiliarisent le réel et troublent le spectateur, présentant une réalité parallèle toute droit sortie de l’esprit de l’artiste. De Chirico utilise beaucoup de symboles et fait se rencontrer des objets sans rapport certain tel qu’une statue grecque, un gant et une balle, formant une composition intriguante, une sorte de rébus, d’énigme poétique. Ces objets bouleversent l’équilibre des proportions par leurs tailles et De Chirico parvient à peindre le sentiment de malaise qu’il éprouve dans la ville. En effet, la peinture métaphysique est née du sentiment d’« inquiétante étrangeté » qu’il éprouvait en arpentant les rues de Florence où l’architecture et les objets baignaient dans une « solitude plastique ». Ainsi, tout en employant des objets du réel, De Chirico nous dépayse totalement. La présence humaine est mystérieuse dans tous ses tableaux, prenant la forme d’une statue, d’une ombre ou d’un mannequin.

Chant d’amour, 1914

Le peintre gréco-italien est formé à Athènes, Florence puis Munich. Il est marqué par la culture méditerranéenne et ses mythes ainsi que par la lecture de Schopenhauer et Nietzsche. Cela se ressent dans la manière dont il peint la ville, labyrinthe désorientant et séduisant.

Place d’Italie, 1965

Il s’installe à Paris en 1911 ou il rencontre Apollinaire, le premier à qualifier son œuvre de «métaphysique » mais aussi Picasso et Brancusi. Son œuvre est une révélation pour les artistes de l’époque, et De Chirico exerça une influence sur de nombreux artistes, notamment du mouvement surréaliste tel que Dali, Magritte ou Ernst. En 1919, De Chirico retourne à la tradition, ce qui déplaît à Breton et ses amis considérant cela comme une trahison.

Article de : Sana Tekaïa

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