Unesco Sonu Idées de sorties, Non classé

[Rubrique culturelle : l’Heure bleue de Peder Severin Kroyer]

Aujourd’hui, nous vous présentons une nouvelle exposition que vous prendrez plaisir à découvrir lors de la réouverture des établissements culturels ! Pour voyager sans quitter la France, pourquoi ne pas prendre un après-midi pour visiter le Musée Marmottan Monet, et plus spécialement son exposition qui se déroule jusqu’au 25 juillet 2021 sur l’œuvre de la vie de Peder Severin Kroyer !

Exposition intitulée “L’heure bleue”, elle est placée sous le patronage de la Reine Margarethe II du Danemark. 

Mais, qui est Peder Severin Kroyer ?

Peder Severin Kroyer était un artiste peintre qui a exercé dans la seconde moitié du 20e siècle et qui est décédé en 1909 à 58 ans. Il était de nationalité danoise et norvégienne, et son art était perceptible dans la peinture et la sculpture. 

(Autoportrait, 1897, Copenhague, Collection Hirschsprung)

Pour développer son art, Peder Severin Kroyer a énormément voyagé, surtout entre les années 1877 et 1881, où il a découvert l’Europe, rencontré des artistes et des étudiants en art qui l’ont aidé à développer son style artistique. Il s’est même arrêté quelque temps à Paris, où il fut influencé par des impressionnistes de son temps comme Claude Monet, Alfred Sisley ou encore Pierre Auguste Renoir. Mais, en réalité, c’est toute sa vie durant qu’il a voyagé, continuant de puiser son inspiration chez des artistes et des cultures étrangères à la sienne.

En 1881, de retour dans son pays natal qu’est le Danemark, il s’installa à Skagen et produisit durant cette période un large panel de tableaux retraçant la vie quotidienne de ses habitants ainsi que les paysages de la ville. 

Il est d’ailleurs, dans cette optique, rattaché à l’école culturelle et artistique qui dominait alors dans la ville à la période, que l’on appelle communément Les Peintres de Skagen. 

Focus sur Les Peintres de Skagen : c’est un groupe d’artistes qui se sont tous retrouvés dans la ville de Skagen dans les années 1870 pour capter la lumière si particulière qui y régnait dans la ville. En effet, on se plait à dire que l’heure bleue de Skagen est particluièrement divine pour les artistes qui cherchent à la capturer dans leurs tableaux. D’un point de vue artistique, les Peintres de Skagen peignent des paysages d’une manière très réaliste avec des couleurs elles aussi très riches. 

Alors, Peder Severin Kroyer partageait son temps entre Skagen l’été, et Copenhague l’hiver. Cependant, durant les dix dernières années de sa vie, il fut atteint de cécité ce qui compliqua – mais n’arrêta pas – son travail d’artiste. Il aimait même en plaisanter, en disant que la vue de son œil sain était devenue meilleure depuis la perte de sensibilité dans son œil malade. Il a d’ailleurs réalisé des tableaux qui sont aujourd’hui très célèbres pendant cette période. Malgré cela, il mourut en 1909, non pas de complications dues à sa cécité, mais d’une syphilis aiguë. 

    Capturer “L’Heure Bleue” au Musée Marmottan Monet

Pour la première fois en France, le musée Marmottan Monet présente une exposition monographique des œuvres de Peder Severin Kroyer. L’objectif ? Partir à la recherche de l’Heure Bleue, “ce phénomène météorologique qui précède le crépuscule et ne se déploie surtout aux lointains bords de mer septentrionaux”. 

Cette exposition regroupe plus de 60 œuvres d’art qui viennent de musées tous différents : de Paris à Copenhague, mais aussi de musées comme ceux de Aarhus, Kiel ou Budapest. L’exposition du musée Marmottan Monet s’intéresse donc à la vie de Kroyer à Skagen, où il a pu capturer cette heure bleue jugée si magnifique. 

Elle se déroule d’ailleurs en trois temps. 

Le premier moment de l’exposition, dont le décor ne bouge jamais puisqu’il s’agit constamment de la plage de Skagen, montre des images de la vie quotidienne des pêcheurs, toutes plus vivantes les unes que les autres. On retrouve alors deux toiles qu’on ne présente plus lorsque l’on parle de Kroyer : Pécheurs de Skagen, Danemark, coucher de soleil (1883, Skagen, Skagens Kunstmuseer) et Bateaux de pêche (1884, Paris, musée d’Orsay) 


Dans un second temps, Kroyer montre alors la vie quotidienne sur la plage, avec des enfants qui jouent, se baignent, se baladent, dans des scènes qu’on pourrait qualifier de crépusculaires, où le travail du bleu est primordial pour l’artiste. 

“Attendez-nous!”, 1892, Skagen, Art Museum of Skagen / “Garçons se baignant à Skagen, Soirée d’Été”, 1899, Copenhague.

 

Enfin, l’exposition se termine sur le rattachement de l’artiste aux peintres de Skagen. On y retrouve alors le portrait de sa femme Marie qui faisait partie de cette école artistique (Roses (1893, Skagen, Skagens Kunstmuseer). On découvre ensuite les œuvres des peintres de Skagen, peintres qui auront inspiré Kroyer comme on peut le reconnaître dans son tableau Hip Hip Hip Hourra ! (1888,  Skagen, Skagens Kunstmuseer) pour n’en citer qu’un.  

Article de Tifenn Genestier

Cet article n’engage que son auteure.

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Unesco Sonu Chronique sur le patrimoine Unesco en France

[Le patrimoine mondial naturel de l’UNESCO: la Chaussée des Géants et sa côte ]

            La Chaussée des Géants est située en Irlande du Nord, près du plateau d’Antrim. Il s’agit d’une formation volcanique, caractérisée par environ 40 000 colonnes de basalte de forme polygonale qui s’enfoncent dans la mer et en constituant un pavement. Elles sont issues d’activités volcaniques datant d’il y a 50 à 60 millions d’années. La forme actuelle de La Chaussée des Géants est due à l’érosion par la mer de la coulée de lave basaltique.

La Chaussée des Géants est à l’origine de nombreuses légendes. Certains disent que des géants l’utilisaient pour franchir la mer jusqu’en Écosse, d’où son nom actuel. En Irlandais, elle est nommée Clochán na bhFómharach, ce qui signifie « Le petit tas de pierre des Fomoires » (fomoires = êtres inhumains de la mythologie celtique irlandaise).

Ce site géologique spectaculaire est inscrit depuis 1986 sur la Liste du Patrimoine mondial de l’UNESCO et est considéré comme une symbole de l’Irlande du Nord.

Critères de sélection :

Critère VII : « représenter des phénomènes naturels ou des aires d’une beauté naturelle et d’une importance esthétique exceptionnelle ».

Les colonnes de basalte et leur implantation géographique (au bord de l’Océan Atlantique et du plateau d’Antrim) font du site une aire exceptionnelle à la beauté naturelle. Il représente également une trace de l’histoire volcanique et donc d’un phénomène naturel majeur ancien.

Critère VIII : « être des exemples éminemment représentatifs des grands stades de l’histoire de la terre, y compris le témoignage de la vie, de processus géologiques en cours dans le développement des formes terrestres ou d’éléments géomorphiques ou physiographiques ayant une grande signification ».

La Chaussée des Géants est un témoignage important de l’activité volcanique de l’ère tertiaire de notre planète. Elle est un témoignage d’un processus géologique ancien permettant de mieux comprendre et d’étudier le volcanisme basaltique.

Les différentes strates sont visibles dans les parois des falaises et ont, selon l’UNESCO, « déterminé le processus de compréhension des séquences d’activité de l’histoire géologique de la Terre ».

Gestion du site :

Aujourd’hui, la Chaussée des Géants est un site touristique majeur de l’Irlande du Nord. Les touristes ont commencé à affluer au XIXème siècle, suite à l’ouverture d’une ligne de tramway reliant Portrush (une ville à une dizaine de kilomètre du site) et la Chaussée des Géants.

Le site possède plusieurs statuts participant à sa sauvegarde : patrimoine mondial de l’UNESCO, Résevre naturelle nationale (pour la majeure partie du site), ou encore « Giant’s Causeway and Dunseverick Area of Special Scientific Interest ». Il est également protégé en tant que Area of Outstanding Natural Beauty (AONB) — zone de beauté naturelle exceptionnelle.

Le National Trust détient la majorité des terres du bien. Il s’agit d’une organisation caritative et associative oeuvrant pour la conservation du patrimoine en Irlande du Nord, en Angleterre, et au Pays de Galles. Il s’assure de la gestion du site ainsi que des visites. Il existe par exemple un centre d’accueil pour les visiteurs, dont l’objectif est d’améliorer la qualité de la visite et la sensibilisation à la valeur exceptionnelle du site.

La Chaussée des Géants est menacée dans sa pérennité par l’érosion naturelle qui altère progressivement les affleurements des falaises. Ce phénomène, ainsi que les effets du changement climatique, sont pris en compte dans le plan de gestion du site qui définit les enjeux et objectifs de gestion pour la conservation du bien.

Une autre menace, cette fois humaine, pèse sur la Chaussée des Géants. Il s’agit de l’impact des  nombreuses visites sur le site : déchets, prédation de pierre comme souvenir (interdit), haute fréquentation…

Article de Agathe Passerat de La Chapelle

Cet article n’engage que son auteure.

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Unesco Sonu Portraits de personnalités inspirantes

[Portraits de personnalités inspirantes : Rosa Bonheur]

Rosa Bonheur, célèbre peintre et sculptrice animalière française du XIXème siècle, menant une vie à la fois excentrique et conventionnelle, est reconnue pour avoir été une femme libre.


Marie Rosalie Bonheur, dite Rosa Bonheur, est née en 1822 à Bordeaux. Alors qu’on l’a voulait couturière, elle fut encouragée par son père, le peintre Raymond Bonheur, à faire de la peinture. Elle passe une partie de sa jeunesse à la campagne, au château de Grimont en Gironde, où elle acquiert une réputation, qui la suivra toute sa vie, d’être un « garçon manqué ».


Ses peintures témoignent d’un talent précoce. Elle expose au Salon de Paris de 1841 et y obtient une médaille d’or en 1848 grâce au tableau Boeufs et Taureaux, race du Cantal (exposé aujourd’hui au Musée d’Orsay). Elle acquiert rapidement une forte réputation dans les scènes animalières et champêtres, qui la feront rattacher au mouvement réaliste. En 1853, son oeuvre Marché aux chevaux présenté au salon lui vaut une gloire internationale et lui permet de faire des tournées. Elle est la première artiste dans l’histoire de la peinture qui voit le marché de l’art spéculer sur ses tableaux de son vivant.

Marché aux chevaux

Rosa Bonheur réalise également des sculptures en terre cuite représentant des animaux domestiques. Tout comme ses peintures, ses sculptures de caractère connaissent un grand succès. Parmi ses oeuvres sculptées célèbres, on retrouve le Bélier couché en bronze de 1843, ou le Taureau de la même année.


Rosa Bonheur sera vue comme une femme non conformiste. En 1852, pour pouvoir se rendre sur les marchés aux bestiaux, elle obtiendra auprès de la préfecture de police l’autorisation de porter des pantalons.

Transgressant les codes alors convenus de la féminité, elle porte les cheveux courts, fume le cigare et monte à cheval.


En 1860, elle acquiert le château de By en Seine-et-Marne et y installe son atelier. Alors qu’elle se présente simplement comme une travailleuse ou une fermière, elle reçoit en 1865, des mains de l’impératrice Eugénie, la distinction de Chevalier de la Légion d’honneur. En 1894, elle devient la première femme officier de la Légion d’honneur.


Refusant le mariage, elle vivra cependant 50 ans une union avec la même femme, Nathalie Micas, peintre également, qui mourra en 1889. La même année, elle rencontrera la peintre américaine Anna Klumpke, avec qui elle vivra jusqu’à sa mort en 1899, et qui deviendra sa légataire universelle.


Aujourd’hui, on considère que la vie de Rosa Bonheur est associée aux débuts du féminisme.

On peut retrouver certaines oeuvres de l’artiste et s’immerger dans sa vie, à l’atelier de Rosa Bonheur qui est ouvert au public au musée-château de By, à Thomery en Seine-et-Marne.


Cet article n’engage que son auteure.
Article de Nastasia SYED

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Unesco Sonu Culture, Non classé

[La protection des œuvres d’art durant la guerre : l’exemple des Monuments Men]

L’art est souvent un enjeu lors des conflits, la Seconde Guerre mondiale n’échappant aucunement à cette exception.

Effectivement, les nazis ont été à l’origine de la spoliation d’oeuvres d’art la plus massive, évaluée à plus de cinq millions de tableaux et sculptures. En conséquence, un groupe est formé en juin 1943, nommé les « Monuments Men », par le général Eisenhower et dont l’objectif est de de suivre les Alliés afin de récupérer les très nombreuses œuvres d’art dérobées par les nazis.

Créés grâce à l’initiative du conservateur et directeur de musée américain George L. Stout, ces « Monuments Men » sont des conservateurs, historiens, archivistes, au nombre d’environ 350 et issus de treize nationalités différentes.

Leur travail a notamment fait l’objet d’un ouvrage écrit par Robert M. Edsel et paru en 2007, ainsi que d’un film réalisé par George Clooney sorti en 2014.

Ces derniers reconstituent l’enjeu de l’appropriation des œuvres par le régime nazi, par leur caractère historique, mémoriel, symbolique (en somme, les oeuvres d’art -outre leur appréciation esthétique- ne sont-elles pas la représentation du devenir même de l’humanité en liant passé, présent et futur ?).

Ainsi, le combat de ces hommes et femmes consiste à restituer les biens culturels provenant des collections Rothschild ou de Paul Rosenberg, ainsi que des oeuvres éminemment emblématiques telles que L’Agneau mystique – dit aussi Retable de Gand- des frères Van Eyck ou la Madone de Bruges de Michel-Ange.   

Néanmoins, leur mission ne fut pas sans obstacles, au sein même des troupes alliées, dans un premier temps faisant sourire certaines, agaçant d’autres.

Leur rôle évolue toutefois lorsque les Alliés pénètrent en Allemagne, le film y étant relativement fidèle en explicitant l’utilité de figures comme Rose Valland, conservatrice du Jeu de paume pendant l’Occupation, qui lista en secret le contenu des caisses contenant les collections privées, ce qui fut notamment utile aux Alliés lors des mines de sel d’Altaussee et de Heilbronn où était amassée une partie du butin.

Leur histoire trop longtemps restée dans l’ombre, est aujourd’hui redécouverte. Incarnant un « état d’esprit » selon l’écrivain Robert M. Edsel, les « Monuments Men » ont joué un rôle primordial, nécessaire à la sauvegarde de la mémoire personnelle et collective, en préservant  notre devenir par la survivance du passé dans notre présent avec la symbolique et l’histoire que ces œuvres évoquent et représentent.

Sources :

Article de Noémie Ngako.

Cet article n’engage que son auteure.

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Unesco Sonu Culture, Education

[Les femmes qui lisent sont dangereuses, de Laure Adler et Stefan Bollmann]

📚 À l’occasion de la journée mondiale de l’éducation, ce 24 janvier, l’antenne UNESCO et l’antenne UNwomen s’associent pour une semaine thématique qui traite des enjeux liés à l’éducation des femmes. Pour bien commencer la semaine, nous vous proposons une revue littéraire, une sorte de mise en abîme du thème du jour : les femmes qui lisent sont dangereuses (2005), de Laure Adler et  Stefan Bollmann, aux éditions Flammarion. Soyez rassuré.es, il n’y a rien de dangereux à ce que vous êtes en train de faire, si ce n’est pour le patriarcat 💪 !

« Les femmes qui lisent sont dangereuses », du moins une chose est sûre, elles suscitent désir et fascination chez les artistes en Occident. De Vermeer, Renoir à Hooper, Stefan Bollmann et Laure Adler retracent l’histoire du trope occidental de « la liseuse ». Tantôt concentrée et plongée dans la lecture, tantôt lascive et abandonnée dans les replis d’une méridienne. 

Loin de représenter a priori un quelconque danger, ces femmes qui lisent au parfum de mystère, le sont bel et bien pour les hommes qui les regardent. Lire, c’est d’abord prendre du temps pour soi avant de consacrer ce dernier à la couture, aux enfants, au foyer. Au sein de la sphère domestique, la lecture féminine représente l’instant durant lequel ses femmes échappent à leur rôle d’épouse, de mère et d’ange du foyer. 

Laure Adler, historienne, journaliste et auteur s’associe à Stefan Bollmann, philologue, philosophe dans le commentaire de ces tableaux. Les deux auteurs explicitent au fil des pages le male gaze, qui est retranscrit dans cette iconographie particulière. La lecture est associée pour ce regard masculin à une féminité envoûtante, échappée et rêveuse qui met en danger l’homme, et l’ordre familial. Derrière ce regard fantasmé de la femme qui lit, se cache une réalité occidentale celle de l’éducation des femmes et des filles. L’omniprésence de ce thème suscite certaines questions sociologiques et historiques : les femmes lisent-elles davantage que les hommes ? 

Selon Yasmina Foehr-Janssens, professeure en Lettres et Études de genre à l’Université de Genève la socialisation primaire genrée expliquerait que les filles lisent plus que les garçons jusqu’à l’âge adulte, tel qu’elle explique dans un article de Femina (2016) : « On remarque une socialisation différenciée des garçons et des filles durant leur jeunesse. Les premiers sont encouragés à être actifs, à aller jouer en plein air. Tandis que les secondes sont plutôt orientées vers des activités tranquilles, qui favorisent l’introspection. Parmi lesquelles : la lecture. Et cette facilité de contact avec le livre engendre un plaisir accumulatif : plus on lit, plus on a envie de lire ».

La lecture bien qu’elle émancipe a priori les femmes en tant qu’elle participe à leur éducation et leur permet d’échapper à un quotidien domestique peut néanmoins contraindre ses femmes dans des rôles genrées particuliers. Au-delà du fantasme masculin posé sur ses femmes qui lisent, le sexisme s’impose autrement au sein de cette activité. D’un part, dans son éducation la jeune fille dispose dans ses choix de lectures de romans qui conditionnent son imaginaire. Entre amour courtois et anti-héroïne à la Emma Bovary, la littérature est imprégnée de normes de genre sexiste. D’autant que l’activité même de lecture, réflexive et tranquille place les jeunes femmes dans la sphère de la tranquillité domestique, loin des activités masculines actives. 

Antoine WIERTZ, La liseuse de romans (1853), Ixelles, Musée Wiertz

La lecture de ce beau livre d’art, de ses images comme de ses commentaires historiques ouvre ainsi la porte à de multiples réflexions sur l’éducation genrée, et les biais sexistes en peinture comme en littérature. Une iconographie séculaire qui interroge les regards contemporains portés sur ses femmes qui lisent, au-delà même sur ses femmes instruites, politiques et écrivaines qui dérangent encore. Quel paradoxe forme par exemple la liseuse de romans de Wiertz qui met en valeur la sensualité du corps d’une femme tout en désignant amèrement sa capacité à s’échapper par l’esprit de se regard perverti… 

↪ Retrouvez en Story SONU une sélection d’oeuvres de femmes qui lisent  🎨

↪N’hésitez pas à aller feuilleter : Les femmes qui lisent sont dangereuses 📖: 

↪ Mais aussi de la même auteure : 

  • Dangerous Women: The Perils of Muses and Femmes Fatales (2009) 
  •  Les femmes qui aiment sont dangereuses (2009)
  • Les femmes artistes sont dangereuses (2018)
  • Les femmes qui écrivent vivent dangereusement (2007)

Le Corps des femmes: Ce que les artistes ont voulu faire de nous (2020)

Article de : Mariette Boudgourd

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Unesco Sonu Idées de sorties

[Rubrique culturelle : l’Atelier des Lumières]

Lorsque les établissements culturels rouvriront, pourquoi ne pas faire une visite immersive dans les tableaux d’artistes célèbres ? C’est le pari que s’est lancé il y a quelques années déjà l’Atelier des Lumières à Paris, qui se plait à faire vivre des œuvres qu’on ne présente plus.

L’Atelier des Lumières, c’est quoi ?
Parce que toutes et tous, nous avons entendu parler au moins une fois de cet endroit, mais peu enconnaissent véritablement l’Histoire, retour sur un lieu d’art autrefois industrie.
En 1835, les Frères Plichon, issus d’une famille de laboureurs, décident de venir à Paris pour devenir fondeurs lors de la Révolution industrielle. Ce sont alors les débuts de la Fonderie du Chemin Vert. Grâce à des pièces en fonte très qualitatives, cette fonderie avait pour but premier de répondre aux besoins de la Marine et du Chemin de Fer. A ce moment-là, elle employait près de 60 personnes.
En 1959, 24 ans plus tard, l’entreprise est transmise aux enfants de l’un des deux fondateurs, dont Edouard Plichon, qui était un technicien reconnu et pendant quatre générations, les affaires sont alors prospères pour la fonderie.
Cependant, en 1929, comme beaucoup d’autres entreprises, l’affaire est contrainte de fermer ses portes. Les raisons : la crise internationale et la concurrence accrue des nouveaux matériaux sur le marché comme le plastique qui fait son apparition. Alors, en 1935, l’entreprise est totalement dissoute et la famille Martin, qui en est aujourd’hui encore propriétaire, rachète les locaux. Pendant de nombreuses années, jusqu’en 2000, les entrepôts servaient alors à une entreprise de fabrication et de vente de machine-outils.
C’est en 2013 que le Président de Culturespaces, Bruno Monnier, redécouvre la fonderie et se rend compte de son immense potentiel. Il veut alors en faire un centre d’art numérique, et la famille Martin accepte alors de lui louer les bâtiments.

En 2018, pour le bonheur de tous, l’Atelier des Lumières voit alors le jour le 13 avril, et est découvert la première année par plus de 1,2 millions de visiteurs venant de partout dans le monde.

Les Grandes expositions de l’Atelier des Lumières
Tous les ans, Culturespaces organise donc des expositions longues et courtes, en donnant la parole à desartistes contemporains.
En 2018, on avait alors eu le droit à une rétrospective de la « Sécession Viennoise à travers les œuvres de Hunterwasser » et des œuvres de Gustav Klimt, le tout assemblé par Gianfranco Iannuzzi, Renato Gatto et Massimiliano Siccardi, avec la collaboration musicale de Luco Longobardi, du collectif Ouchhh et Thomas Blanchard et Oilhack.
(Pour avoir un aperçu de l’exposition, voici la vidéo promotionnelle : https://vimeo.co/344347744)

En 2019, c’était au tour de Van Gogh d’être mis à l’honneur, là aussi par Gianfranco Iannuzzi, Renato Gatto et Massimiliano Siccardi. Mais, nous avions aussi le plaisir de voir deux autres productions : « Japon Rêvé, Images du monde flottant » de Dany Rose, et « Verse », de Thomas Vanz.
(Pour avoir un aperçu de l’exposition, voici la vidéo promotionnelle : https://vimeo.co/435873883)

En 2020, même si l’exposition fut écourtée dû à la crise sanitaire, Monet, mais aussi Renoir et Chagall ont été exposés en musique sur leurs voyages en méditerranée. Exposition qui nous fait voyager, tout en restant dans la pénombre et la fraicheur d’un ancien entrepôt chargé d’Histoire.

Quid des prévisions pour 2021 ?
Vite, vite, rouvrons les établissements culturels ! Cela nous permettra de venir admirer la rétrospective des plus grandes œuvres de Dali, élaborées pendant ses 60 années de création. Initialement prévue pour le 29 janvier 2021, elle sera d’actualité jusqu’en janvier 2022. Alors, espoir et optimisme, nous trouverons bien quelques semaines durant 2021 pour y faire un tour ! Comme toujours, cette immersion est produite par Gianfranco Iannuzzi, Renato Gatto et Massimiliano Siccardi, artistes maintenant habitués à l’établissement.
Mais, Dali ne sera pas seul ! En effet, en programme court, nous aurons la chance de retrouver les œuvres architecturales de Gaudi, qui fut lui-même une véritable source d’inspiration pour Dali, par les studios Cutback.

Alors, prenons notre mal en patience, restons forts et patients ; pour retrouver nos amours artistiques dès que le temps nous le permettra !

Cet article n’engage que son auteure !

Article de Tifenn Genestier

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[Portraits de personnalités inspirantes : James Baldwin]

    Symbole d’une amérique qui s’exile pour mieux vivre en plein combat pour les droits civiques, James Baldwin est un activiste auteur de romans, pièces, nouvelles et poèmes né à Harlem (New York City) le 2 août 1924. 

    S’il fut un temps oublié par la vaste majorité de la population, son oeuvre et l’homme qu’il était sont revenus sur le devant de la scène avec le mouvement « Black Lives Matter » et le film-documentaire « I am not your negro » de Raoul Peck (2016). 

    James Baldwin montre dès son enfance un intérêt grandissant pour les livres et l’écriture, à 13 ans il publie son premier article pour le journal de l’école qu’il intitule « Harlem – Then and Now ». Son enfance à Harlem est celle d’un jeune afro-américain au début des années 1940, les brimades des officiers de police blancs, le racisme environnant et ultimement les émeutes de 1943 marqueront ainsi son esprit et ses écrits. Il réalise ce qu’est la condition de noir dans son pays. Ses années formatives sont également rythmées par la religion dans laquelle il se réfugie pendant un temps, la reconnaissance de son talent par ses aînés dès le début de son parcours académique et sa rencontre avec le peintre Beauford Delaney qui lui laisse entrevoir la possibilité d’une vie d’artiste.  

    James Baldwin conscient de sa condition d’homme noir homosexuel aux États-Unis prend l’initiative de s’exiler à Paris à 24 ans. Il refuse que ses écrits soient lus sous le prisme de son apparence ou de ses préférences. Ainsi pendant les premières années il se rapproche des penseurs de la rive gauche et se fait éditer par son ami Themistocles Hoetis, éditeur de Richard Wright. 

    Des années 1950 aux années 1980 Baldwin écrit des romans semi-autobiographiques comme Go tell it on the montain (1953), des romans sur l’homosexualité comme Giovanni’s Room (1956) et des essais notamment sur la condition des afro-américains comme le très célèbre The fire next door (1963). 

    The fire next door est publié alors que James Baldwin est de retour aux États-Unis comme une des figures de proue du mouvement pour les droits civiques. Il devient porte-parole de la cause, ses écrits sont lus par la population blanche pour, en un sens, mieux comprendre ce que désirent les afro-américains. Cela lui vaudra des reproches de la part de ces derniers qui le trouvent trop complaisant. Baldwin reviendra sur cette période dans No name in the street (1972), un long essai qui évoque ses combats des années 1960 et les marquants assassinats de trois de ses proches amis et symboles de cette lutte pour l’égalité : Medgar Evers, Martin Luther King Jr. et Malcom X.

    Les années 1970 et 1980 sont celles d’un retour à l’exil. James Baldwin s’installe à Saint-Paul-de-Vence dans le sud de la France où il continue d’écrire jusqu’à son décès en 1987. Chez lui passent les icônes afro-américaines de la musique jazz : Miles Davis, Nina Simone, Ray Charles, mais aussi d’autres artistes comme Joséphine Baker, Harry Belafonte, Sydney Poitier et Beauford Delaney. Il est dit de sa porte qu’elle était toujours ouverte. 

    Si les écrits de James Baldwin n’ont jamais vraiment disparu des étagères et que son œuvre a trouvé écho dans celle d’amis comme Maya Angelou et Toni Morrison, c’est avec la nouvelle vague de lutte contre les violences racistes que son œuvre réapparaît sur le devant de la scène. Ses mots sont toujours aussi justes et puissants, ils font résonance avec les plus jeunes générations. Ainsi on retrouve des citations sur des pancartes pendant des marches pacifistes, ses livres sont adaptés en films acclamés par la critique. Les mots de Baldwin sont toujours aussi vrais.  

Cet article n’engage que son auteure. 

Article de Yacine Navenot 

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Unesco Sonu Chronique sur le patrimoine Unesco en France

[Patrimoine mondial de l’UNESCO: Les paysages cariocas, entre océan, verdure et montagnes ]

Les paysages cariocas ont été les premiers à être classés en tant que paysages urbains par l’UNESCO. Cela peut se comprendre au vu de la beauté de la ville de Rio de Janeiro, et sa diversité paysagère qui se partage entre océan, verdure et montagnes.

La notion de paysage peut être assez vaste et l’on peut se demander si c’est l’entièreté de la ville de Rio de Janeiro qui est classée au patrimoine mondial de l’UNESCO ou seulement quelques éléments, puisqu’en soit, comme tout espace, elle est composée de nombreux paysages. Selon Géoconfluences un paysage est  » l’étendue d’un pays s’offrant à l’observateur. Derrière cette définition qui peut paraître simpliste se cache une notion qui a donné lieu à une abondante bibliographie et à de multiples approches. »

Le Christ Rédempteur, situé sur le Mont Corcovado, surplombe la ville et fait face au Pain de sucre

Dans le cas de la ville de Rio, les paysages classés par l’UNESCO sont délimités: ce sont les éléments naturels de la ville, soit les monts comme celui du Corcovado et du « Pain de Sucre » mais également les parcs comme le Parc national de Tijuca, ou bien le jardin botanique. Ces paysages s’étendent jusqu’à l’océan en comprenant les paysages de la plage de Copabana. Monts, verdure et océan, voici les trois mots clés pour définir les paysages cariocas classés. En somme l’UNESCO précise que les paysages classés sont ceux qui « incluent tous les plus beaux points de vue qui permettent d’apprécier la manière dont la nature a été façonnée pour devenir un élément culturel important de la ville. »

Le Parc national de Tijuca

Si la ville est si diverse dans ses paysages, c’est grâce à sa position géographique. Située dans la baie de Guanabara, elle est encerclée par les montagnes et les collines dont le plus haut sommet est le pic du Massif de Tijuca culminant à plus de 1021 mètres d’altitude. A cela se mêle la verdure omniprésente, qui se niche dans ces reliefs et se concentre notamment dans le Parc National de Tijuca où sont présents une faune et flore abondante, des sommets, des grottes et le fameux mont Corcovado où culmine le Christ Rédempteur.

La place de Copacabana, mondialement connue

Au milieu de ces reliefs et de cette verdure s’est développée la ville, dont l’architecture composée de grands bâtis tranche avec les couleurs et les formes du paysage naturel. La ville s’étend sur le littoral où l’on retrouve les fameux quartiers de Copacabana et Ipanema, dont les pavés noir et blanc des plages sont devenus de véritables éléments visuels qui ont inspiré les artistes du monde entier, et participent à faire rayonner culturellement la ville de Rio de Janeiro.

Les critères de séléction que respectent les paysages cariocas pour être intégrés au Patrimoine mondial

  • Le critère v (être un exemple de l’utilisation traditionnelle du territoire ou de la mer, qui soit représentatif d’une culture, ou de l’interaction humaine avec l’environnement): Le développement de la ville s’est fait entre la nature et la culture, non par un processus traditionnel mais par celui d’un mélange d’idées scientifiques, environnementales et paysagères.
  • Le critère vi (être directement ou matériellement associé à des événements ou des traditions vivantes, des idées, des croyances ou des œuvres artistiques et littéraires ayant une signification universelle exceptionnelle): Les paysages de la ville de Rio ont influencé de nombreux artistes du monde entier, et ont participé à faire rayonner la ville à échelle internationale, grâce à son impact culturel. La notoriété de la ville s’est fondée sur des éléments paysagers connus de tous comme le Pain de Sucre, le Christ Rédempteur, la plage de Copacabana et la baie de Guanabara, par où les portugais sont arrivés lors de la colonisation. Cette renommée contribue à faire de Rio l’une des villes les plus belles et les plus diverses au monde, et participe à sa réputation.

Les paysages cariocas sont protégés par des décrets instaurés par l’IPHAN. L’UNESCO explique que « L’Institut du patrimoine historique et artistique national (IPHAN) et ses prédécesseurs ont catalogué, depuis 1938, l’intégralité des sites et des structures individuelles définies pour la protection nationale. Ils comprennent aussi bien le parc national de Tijuca et les jardins botaniques que le manoir du Parque Lage, le parc du Flamengo, les collines Cara de Cão, Babilônia, Urca, Pain de Sucre, Dois Irmãos et Pedra da Gávea, le fort de São João, le fort de Santa Cruz et le paysage urbain des plages de Leme, Copacabana, Ipanema et Leblon. ». Cependant les paysages cariocas demeurent fragilisés au cours de ces dernières décennies par le bâti qui émerge constamment et s’étend sur les littoraux, ainsi que par la pollution des océans. Il faut donc respecter au mieux la ville et continuer de tout faire pour protéger ses richesses.

Pour en savoir plus:

  • Sur la notion de paysage: http://geoconfluences.ens-lyon.fr/glossaire/paysage
  • Sur les paysages cariocas: https://whc.unesco.org/fr/list/1100/

Article écrit par Marina Deynat

Cet article n’engage que son auteur.e

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[Une bande dessinée sur les tabous sexuels : Pucelle de Florence Dupré La Tour]

La sélection officielle du festival d’Angoulême offre un large panorama du paysage de la bande dessinée de 2020. La remise des différents prix du festival se fera le 29 janvier 2021 lors d’une cérémonie se déroulant au théâtre d’Angoulême, qui sera retranscrite en direct. Huit prix seront décernés lors de l’événement.

Le festival en lui-même est reporté au mois de juin en raison de la situation sanitaire. Cette remise de prix est l’occasion de se pencher sur une œuvre en lice, Pucelle, de l’autrice et dessinatrice Florence Dupré La Tour.

Dans cette bande dessinée autobiographique, elle s’attaque aux tabous sur la sexualité, et plus généralement le manque d’éducation sexuelle dans une famille bourgeoise et très catholique. Entre un père absent et une mère qui entretient une éducation religieuse fervente, c’est dans la honte et l’incompréhension que Florence tente de se construire. Les non-dits sont source de profondes angoisses, que l’autrice peint à l’aide d’une aquarelle aux tons roses et rouges pastels. La fausse naïveté du dessin et la douceur des couleurs tranchent avec le propos acerbe que Florence Dupré la Tour tient sur la société dans laquelle elle a grandi, enfermée dans ses tabous et mensonges. Le culte de la virginité, le tabou des règles, la place la femme au foyer, la puberté honteuse : autant de schémas perçus par les yeux d’une jeune fille qui tente de comprendre ce qu’il lui arrive. Elle livre également une critique de la religion, de son rôle dans le maintien des femmes dans une position d’infériorité.

Florence Dupré La Tour parvient à prendre du recul sur son passé, et le retranscrit dans cette œuvre avec beaucoup d’humour et d’autodérision. Le propos de l’autrice n’en est pas moins très sérieux : parvenir à l’égalité homme-femme, c’est continuer le grand chantier qui est celui de l’éducation, et notamment l’éducation sexuelle en abolissant les tabous.

Son travail a déjà été encensé par la critique, et a reçu le prix de la meilleure bande-dessinée 2020 des Inrockuptibles. En route vers un fauve à Angoulême ?

Article de Charlotte Morel

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[Portrait de personnalités inspirantes : Eva Hesse]

Née à Hambourg en Allemagne en 1936, Eva Hesse s’inscrit dans le mouvement minimaliste américain des années 60 et apporte des perturbations à cet art réglé.

 Par l’introduction de nouveaux matériaux instables comme le latex, elle conçoit ses œuvres comme une forme de résistance féminine aux structures rigides et masculines de l’art minimal.

Elle a déclaré que le sujet principal de son œuvre était « l’absurdité de la vie ».

En 1939, sa famille fuit les persécutions nazies en émigrant aux États-Unis. Eva Hesse entame alors une formation en design publicitaire à l’Institut Pratt de New York puis entre à l’Art’s Students League tout en travaillant pour le magazine Seventeen. Elle obtient son diplôme en design à la Cooper Union de New York en 1957 puis entre à Yale, à l’École d’art et d’architecture. Après avoir obtenu sa licence de Beaux-Arts, elle rentre à New York où elle rencontre le sculpteur Tom Doyle qu’elle épouse en 1961. Eva Hesse se tourne d’abord vers la peinture expressionniste, quasi figurative : on reconnaît des formes de visage et des attributs sexuels dans ses œuvres du début des années 60. 

Untitled 1960

Elle expose pour la première fois en 1963 et fait la rencontre de nombreux artistes minimalistes tel que Sol LeWitt, Robert Ryman, Robert Morris et Robert Smithson. En 1964, le couple est invité en Allemagne de l’Ouest et Eva Hesse entame une série de sculptures peintes, fabriquées à partir de matériaux de récupération trouvés dans une usine désaffectée dans laquelle elle installe son atelier. 

Elle insère ainsi des câbles et des fils électriques dans ses œuvres, sorte de bas-reliefs abstraits et colorés. Elle expose en 1965 en Allemagne puis rentre l’année suivante à New York où elle se sépare de son mari. Tout en continuant ses constructions biomorphiques, elle n’emploie plus de couleurs et simplifie de plus en plus son langage plastique, s’inscrivant dans le mouvement minimaliste. Ses pièces sont organiques tout en conservant une certaine régularité géométrique et portent des sous-entendu corporels. 

Hang Up, 1966

Hang Up une de ses oeuvres majeures “C’était la première fois que mon concept d’un sentiment extrême, poussé jusqu’à l’absurde aboutissait… Le cadre est entièrement fait de câbles et de fils électriques… C’est une œuvre extrême, c’est pour cela qu’elle me plaît et ne me plaît pas. C’est tellement absurde, ce long fil métallique qui sort du cadre… C’est la structure la plus ridicule que j’ai jamais conçue, et c’est bien ce qui fait sa réussite.”

Ce cadre fixé au mur est traversé d’un câble pendant de son coin inférieur à son coin supérieur. L’artiste négocie un entre-deux subtil entre la nature plane du dessin et le relief de la sculpture. 

Objet projeté dans l’espace plutôt qu’un tableau conventionnel

S’inscrivant par cette oeuvre dans le minimalisme elle procède de la même manière que d’autres artistes contemporains : par série, répétition et quadrillage. Surtout, elle utilise des matériaux non conventionnels tel que le latex dont elle est l’une des premières à utiliser avec Louise Bourgeois, la fibre de verre, les fils électriques, le textile ou le caoutchouc. Elle réalise une série d’oeuvres abstraites introduisant une irrégularité dans la rigidité minimale par un désordre de fils liant deux monochromes ou même trois monochromes.

Eva Hesse connaît un certain succès dans le New York des années 60 et ses oeuvres sont exposées à la galerie Fischbach, elle participe aussi à la mythique exposition de Robert Morris “9 at Castelli”, explorant ce qu’il appelle “l’antiforme”.  

Recrutée en 1967 comme professeure à l’École d’Arts Visuels de New York. En 1970, Eva Hesse décède d’une tumeur au cerveau.

Article de : Sana Tekaïa

Cet article n’engage que son auteure.

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