Unesco Sonu Portraits de personnalités inspirantes

[Portraits de personnalités inspirantes : Olympe de Gouges]

« La femme a le droit de monter à l’échafaud, elle doit avoir également le droit de monter à la Tribune » déclare sur un ton polémiste qui lui est propre Marie Gouze, davantage connue sous le nom d’Olympe de Gouges, dans l’article 10 de la Déclaration des droits de la femme et de la citoyenne.

Cette femme de lettres françaises, également figure politique importante du XVIIIe siècle, est née le 7 mai 1748 à Montauban et morte guillotinée le 3 novembre 1793 à Paris. Considérée comme une pionnière du féminisme français; la défense des droits de la femme et de l’égalité des sexes fut effectivement l’oeuvre de toute une vie et, pourtant, ce n’est qu’à la fin du XXe siècle, notamment à l’occasion du bicentenaire de la Révolution française, que sa figure et son travail furent redécouverts grâce aux travaux mis à jour d’historiens.

Si ce personnage marquant de l’Histoire est désormais étudié et apparait dans les manuels scolaires, non seulement son parcours et sa vie sont encore (trop) mal, voire méconnus, mais sa reconnaissance nationale, par les institutions publiques, est toujours remise en cause.

Féministe mais surtout humaniste

Olympe de Gouges interpelle souvent pour son travail de féministe, soit pour sa défense sans relâche des droits des femmes.

En effet, sa réflexion concernant l’égalité des femmes commence avec la publication en 1786 de la pièce Le Mariage inattendu de Chérubin, qui répond notamment au Mariage de Figaro de Beaumarchais et dans laquelle elle dénonce le mariage forcé des femmes et plaide pour l’émancipation féminine.  

Toutefois, son oeuvre la plus célèbre reste sa Déclaration des droits de la femme et de la citoyenne, publiée en 1791 et qui se veut être une parodie de la Déclaration des droits de l’homme et du citoyen de 1789. La femme de lettres prône publiquement avec cette déclaration, la volonté d’une égalité des sexes.

Femme engagée, ses travaux ne se limitent pourtant pas -contrairement à ce que l’on pourrait croire- à la question de l’égalité des sexes.

Elle traite également d’autres sujets sensibles au sein de la société française du XVIIIe siècle, tels que la situation des enfants illégitimes, les ouvriers ou l’esclavage qu’elle dénonce dans Zamore et Mirza ou l’Esclavage des Noirs (1784) et Réflexions sur les hommes nègres (1788), oeuvres qui la rendent célèbre et lui permettent d’intégrer la Société des Amis des Noirs.

En conséquence, par la nature des sujets traités par la femme de lettres, cette dernière se révèle être une véritable humaniste. 

Révolutionnaire intellectuelle

Les questions sociétales sensibles qui apparaissent dans les écrits d’Olympe de Gouges, ainsi que les réflexions et propositions de solutions qu’elle apporte, symbolisent le caractère avant-gardiste de l’écrivain.

Effectivement, militante active elle réclame l’égalité de traitement sans distinction de sexe, couleur ou revenu, et plaide pour l’instauration du divorce -qui le sera en 1792.

Ses idées sont donc révolutionnaires intellectuellement dans la mesure où ses écrits, tracts et affiches dénoncent l’ordre établi et se révèlent profondément modernes, voire avant-gardiste pour son époque.

Par exemple elle obtint que les femmes fussent admises dans une cérémonie à caractère national, d’abord à « la fête de la loi » du 3 juin 1792, puis à la commémoration de la prise de la Bastille le 14 juillet 1792

Contemporaine de la Révolution française, Olympe de Gouges n’hésite pas à diffuser publiquement ses idéaux, partageant (droit de vote sans distinction de sexe, contre la peine de mort) ou non (partisane d’une monarchie constitutionnelle sur le modèle britannique et non de l’instauration d’une République) de la Révolution française.

Néanmoins son hostilité envers la Terreur et la figure de Robespierre engendre son arrestation puis condamnation à la guillotine par ce dernier le 3 novembre 1793, à seulement 45 ans. 

Vers une reconnaissance nationale ?

Selon sa déclaration testamentaire, la femme de lettres, qui toute sa vie durant aura été engagée, déclare « Je lègue mon cœur à La Patrie (…). Mon âme aux femmes, je ne leur fais pas un don d’indifférence ». 

Libre d’esprit, Olympe de Gouges refusa après son veuvage de se remarier afin de préserver une liberté intellectuelle et politique. Figure avant-gardiste défendant auprès des institutions publiques une égalité pour tous et condamnant toute forme d’inégalité sociale concernant les femmes, les ouvriers ou les esclaves, elle eut un impact retentissant dans la société française du XVIIIe siècle.

Comme de nombreuses femmes de l’Histoire, elle fut pourtant oubliée avant d’être redécouverte, d’abord par des études universitaires étrangères après la Seconde Guerre mondiale mais surtout avec la publication en 1981 de la biographie d’Olivier Blanc en France.

Olympe de Gouges fait finalement son entrée à l’Assemblée nationale en 2016, par le biais de son buste de marbre blanc, demeurant la première (et seule -pour l’instant) figure féminine au sein de l’institution française. Le président de l’Assemblée nationale, Claude Bartolone, avait alors énoncé à cette occasion qu’il aura fallu « plus de deux siècles pour que l’on reconnaisse le talent de cette pionnière de l’égalité des droits ».

Néanmoins, cette reconnaissance nationale fait toujours l’objet de débats car la question de son entrée au Panthéon, demandée depuis 1989, est controversée.

Le Président François Hollande s’était notamment montré favorable à la panthéonisation de cette figure historique en 2014, mais la demande fut rejetée, ce qui laisse la question en suspens.

Ce personnage emblématique que représente Olympe de Gouges est donc certes reconnu comme étant la première « féministe » française; cependant il ne faut pas pour autant omettre ses autres combats et leurs sujets, tout aussi importants, qu’elle a rendu visibles malgré leur caractère sensible, et dont l’approfondissement mériterait une attention plus profonde, tant ils sont inspirants.

Sources

Olivier BLANC, Olympes de Gouges, Paris, Éditions Syros, 1981

Olivier BLANC, Marie-Olympe de Gouges. Une humaniste à la fin du XVIIIe siècle, Paris, René Viénet, 2003

Benoîte GROULT, Ainsi soit Olympe de Gouges : la Déclaration des droits de la femme et autres textes politiques, Paris, Grasset, 2014

« Olympe de Gouges au Panthéon », Libération, 30 septembre 2013 (https://www.liberation.fr/societe/2013/09/30/olympe-de-gouges-au-pantheon_935883)

« Recalée au Panthéon, Olympe de Gouges, statufiée, entre à l’Assemblée », Franceinfo Culture, 19 octobre 2016 (https://www.francetvinfo.fr/culture/arts-expos/sculpture/recalee-au-pantheon-olympe-de-gouges-statufiee-entre-a-l-assemblee_3366187.html)

Cet article n’engage que son auteure.

Article de : Noémie Ngako

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[Journée internationale des migrants : l’éducation des enfants migrants en France]

La question de l’éducation des enfants migrants en France est complexe. L’accès à la scolarisation est un droit incontestable en France, confirmé par la législation française et par la CIDE (Convention internationale des droits de l’enfant). La Constitution de la V° République y donne une force indéniable : la discrimination est interdite. L’éducation est une condition qui permet l’intégration de ces jeunes migrants dans la société.

Outil essentiel de protection de la dignité humaine inscrite à l’article 26 de la DUDH (Déclaration universelle des droits de l’homme), l’éducation est aujourd’hui menacée dans les pays d’origine des migrants et mais aussi dans leur pays d’arrivée, la France. La réalité du terrain serait tout autre : Oliver Peyroux, sociologue spécialiste des migrations et de la traite des êtres humains, cofondateur de l’association Trajectoires, rend bien compte de cette situation en expliquant que « dans les bidonvilles en France, on a un peu moins de 50% d’enfants scolarisés. ». Les États sont libres de répartir les ressources financières attribuées à l’éducation des migrants, mais toujours dans le respect des droits fondamentaux. Par exemple, la France peut restreindre la gratuité de l’accès à l’enseignement supérieur mais elle ne peut pas restreindre l’accès à l’éducation élémentaire ou de base. Des associations déplorent que l’Etat français ne respecterait pas toujours les obligations qui lui incombent du droit de l’éducation. Les jeunes migrants rencontrent des obstacles qui sont des freins à l’éducation comme la précarité, la fragilité de leur statut ou encore l’isolement (de nombreux mineurs non accompagnés ne bénéficient pas du droit à l’éducation, en attente de prise en charge ou de reconnaissance de leur minorité). Ils partagent également un sentiment d’exclusion. Par exemple, dans les camps d’accueil temporaires, notamment en Grèce ou en Turquie, la situation éducative des enfants est très instable et précaire dû au manque de ressources matérielles, humaines et financières. Calais a été la situation la plus dramatique en 2015. Le défenseur des droits a constaté l’absence totale de prise en charge éducative des jeunes migrants. Il y aurait donc une sorte de double peine pour les jeunes migrants : celle d’être un mineur et un migrant.

Pourtant, l’éducation est garantie par le droit international des droits de l’homme. Les enfants migrants en situation irrégulière ou sans papiers peuvent invoquer ce droit. L’Etat doit s’y conformer. Selon l’article 22 de la Convention de 1951, les états ont l’obligation d’accorder « aux réfugiés le même traitement qu’aux nationaux en ce qui concerne l’enseignement primaire et un traitement aussi favorable que possible, et en tout cas non moins favorable » en ce qui concerne l’accès aux études, l’attribution de bourses d’études, et, la reconnaissance de certificats d’études. 


La Convention internationale sur la protection des droits de tous les travailleurs migrants et des membres de leur famille pose des obligations encore plus fortes. Or, elle n’a pas de valeur coutumière puisqu’elle n’a pas été assez ratifiée par les Etats d’emploi.

Selon l’article 30, « tout enfant d’un travailleur migrant a le droit fondamental d’accès à l’éducation sur la base de l’égalité de traitement avec les ressortissants de l’État en cause. L’accès aux établissements préscolaires ou scolaires publics ne doit pas être refusé ou limité en raison de la situation irrégulière quant au séjour ou à l’emploi de l’un ou l’autre de ses parents ou quant à l’irrégularité du séjour de l’enfant dans l’État d’emploi ». Cet article est intéressant puisqu’il opposerait une obligation pour la France d’assurer un accès à l’éducation pour les enfants de travailleurs migrants, au même titre que les enfants ayant la nationalité française, sans regarder la situation des parents. Le droit de l’Union européenne reprend cette disposition en affirmant que les mineurs demandant l’asile et les réfugiés ont accès à l’éducation aux mêmes conditions que les ressortissants des Etats membres de l’Union européenne (Convention européenne des droits de l’homme de 1950).

Toutes les obligations étatiques ne portent donc pas systématiquement sur des effets attendus. Les autorités nationales doivent établir des politiques d’éducation qui soient culturellement adaptées afin de permettre aux jeunes migrants d’être intégrés et d’avoir accès au marché du travail. Les élèves issus de l’immigration rencontrent des difficultés d’adaptation au nouvel environnement d’apprentissage. Il est donc impératif que l’éducation commence par l’enseignement de la langue. La Commission européenne aide les Etats membres de l’UE à intégrer les migrants dans leurs systèmes d’éducation et de formation. Le plan d’action de la Commission pour l’intégration des ressortissants de pays tiers s’est fixé trois priorités : intégrer les migrants nouvellement arrivés dans les structures de l’enseignement général ; prévenir l’échec scolaire des migrants ; prévenir l’exclusion sociale et favoriser le dialogue inter culturel.

Voici quelques citations intéressantes :

• « un enfant ne va pas voir un étranger dans l’autre, notamment dès qu’il va pouvoir jouer » Gwenaëlle Boulet, rédactrice en chef du magazine Astrapi et auteure.

• « on a toujours une dette morale quand on migre, jeune ou moins jeune, c’est de réussir » Olivier Peyroux, sociologue spécialiste des migrations et de la traite des êtres humains, cofondateur de l’association Trajectoires.

Article de : Anaïs Mangin

Cet article n’engage que son auteure.

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[Portraits de personnalités inspirantes : Niki de Saint Phalle]

Plasticienne franco-américaine, née en 1930 et décédée en 2002, Niki de Saint Phalle est essentiellement connue pour ses Nanas, mais elle a laissé un héritage artistique sans pareil. Tableaux-performances, sculptures féministes, films psychanalytiques, l’artiste s’est inspirée de grandes figures comme Jackson Pollock pour ensuite pouvoir inspirer toute une génération d’artistes derrière elle. 

Sa vie 

Née le 29 octobre 1930 à Neuilly Sur Seine, sa famille américaine – ruinée par le krach boursier – avait, un an plus tôt, quitté l’Amérique. Après avoir habité chez ses grands-parents pendant quelques années, elle rejoint ses parents, réinstallés à Greenwich. Elle y fut élevée par une nourrice qu’elle appelait « Nana ». 

A 11 ans, victime d’un viol par son père, elle reste traumatisée toute sa vie. Enfant instable et turbulente, elle devint cependant une femme rebelle et indépendante. Pour elle, l’art était une sorte de thérapie, d’exutoire pour s’émanciper de ce traumatisme. 

Pendant un temps, dans sa jeunesse, elle fut mannequin pour Vogue et Life Magazine. A 18 ans, elle se maria avec Harry Mathews, écrivain. Alors qu’ils étaient encore jeunes, ils eurent deux enfants. De nature révoltée, pourtant issue d’une très ancienne lignée aristocratique française, elle refusa le puritanisme religieux et déménagea à Paris avec son mari et sa première fille, Laura. 

Hospitalisée à Nice en 1953 suite à une dépression, Niki de Saint Phalle dessina et peignit beaucoup pendant son rétablissement ; elle décida alors de se consacrer totalement et pleinement à son art. Deux ans plus tard, elle accoucha d’un petit Philip. 

Sa rencontre avec Jean Tinguely lui permit de rejoindre le groupe des Nouveaux Réalistes. Elle s’installa d’ailleurs avec ce dernier après son divorce. C’est durant ces années-là qu’elle réalisa ses premières œuvres dont Tir, qui suscita l’indignation et le scandale et qui eu un retentissement mondial. 

Œuvre Tir, 1961, plâtre, peinture, métal et objets divers sur de l’aggloméré, 175x80cm, 60 à 80 kg, Centre Pompidou, Paris : peinture performance qui vise à, selon elle, « tirer sur la société et ses injustices ». 

En 1971, elle épousa Jean Tinguely, et travailla sur des installations monumentales à Paris comme la Fontaine Stravinski ; et même des films, comme Daddy en 1972.

Son engagement

Niki de Saint Phalle était une artiste engagée politiquement, et résolument féministe. Elle n’a cessé de représenter des épisodes de sa vie à travers son œuvre. Expliquant plus tard qu’elle avait été élevée « pour le marché du mariage », et qu’il était pour elle hors de question de ressembler à sa mère, elle commença à créer les Nanas en papiers collés dès 1964. Pour elle, elles étaient les représentations de la femme « libérée du mariage et du masochisme ». 

« Elles sont elles-mêmes, elles n’ont pas besoin de mecs, elles sont libres, elles sont joyeuses ». 

Image 1 : Gwendolyn, 1966, en face du musée de Stockholm. 

Image 2 : Nana hors du musée d’art moderne de Tinguely à Bâle. 

Image 3 : Nana à Montréal

Mais son engagement ne s’arrêta pas là : elle créa des immenses phallus colorés lors de la propagation du virus du sida, pour inciter les gens à se protéger. 

Elle dénonça également, tout au long de sa vie, les violences faites aux personnes noires aux USA, et la domination masculine et patriarcale. 

Sa fin 

Pendant nombre d’années, Niki de Saint Phalle a travaillé sur ses œuvres avec des matériaux qui sont aujourd’hui reconnus comme dangereux pour la santé, et au mépris des règles de sécurité : elle inhala beaucoup de vapeurs toxiques, ce qui l’a conduite à souffrir d’inflammations et de gonflements dans ses poumons. A 71 ans, en 2002 donc, elle décéda alors d’une insuffisance respiratoire.

Article de : Tifenn Genestier

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[24 portraits d’Alain Cavalier (1987) : Ode à un patrimoine en perdition, à ces petites mains, à ces femmes de l’ombre]

« Ces portraits sont des rencontres que je voudrais garder de l’oubli, ne serait-ce que pendant les quelques minutes où elles sont devant vous. Ce sont des femmes qui travaillent, qui font des enfants et qui, en même temps, gardent un esprit d’indépendance. J’ai tourné vingt-quatre portraits de treize minutes. J’ai choisi cette courte durée pour plusieurs raisons : ne pas ennuyer, échapper à toute coupure publicitaire, réaliser le film vite, dans un élan et sans trop de ratures. Je ne suis pas un documentariste. Je suis plutôt un amateur de visages, de mains et d’objets. Rendre compte de la réalité ne m’attire pas. La réalité n’est qu’un mot, comme sa sœur jumelle, la fiction, que je pratique par ailleurs, avec un plaisir différent. » — Alain Cavalier

24 portraits, ou lorsqu’un artisan saisit l’artisanat d’art, dans la plus grande humilité chacun se rencontre au travers d’une caméra. Un rapport aimant, humble avec les gens qui transparaît dans l’échange entre le cinéaste et les femmes. Il interroge 24 femmes aux métiers désuets : la matelassière, la fileuse, la trempeuse, l’orangère, la brodeuse, la dame-lavabo, la relieuse, la bistrote, la canneuse, la repasseuse, la rémouleuse, la maître-verrier, la gaveuse, la romancière, la roulotteuse, la fleuriste, la cordonnière, la marchande de journaux, l’opticienne, la souffleuse de verre, l’illusionniste, l’accordeuse de piano, la corsetière, l’archetière. 

Alain Cavalier s’intéresse dans la plus grande sincérité à elles. Il les fait parler de leur quotidien, de leurs métiers, de leur joie dans la plus grande simplicité. Alain Cavalier saisit l’instant, les échanges avec ses femmes mais plus encore il saisit le geste et la main. Une mise en lumière du geste créateur, de la minutie de ses mains abîmées et musclées. À nous de lui faire son portrait. 

Son cinéma documentaire d’Alain Cavalier est familier, il rend compte des scènes les plus usuelles, des tocs ou gestes des travailleurs. Un éloge au geste qui façonne et aux mains qui sont façonnées par le travail. L’outil et le geste à répétition vont jusqu’à déformer les mains de la matelassière. Il donne la parole aux mains de ces femmes pudiques, et d’une patience sans limite épatante. Aux 24 portraits on pourrait rajouter un vingt-cinquième celui du cinéaste : Alain Cavalier qui filme ses propres mains et son travail de captation des plans, des poses, et des émotions. 

Dans une interview avec Laure Adler sur France Inter dans l’émission l’heure bleue en 2017, il explique que l’envie de faire du cinéma est d’abord sexuelle. Enfant, il est fasciné par les « Grands visages de femmes » sur les affiches. Ce qu’il aime dans le médium c’est cette capacité à pouvoir garder en images les choses qu’on aime, les moments que l’on vit. 

Le cinéma pour cet artisan est un baume contre la solitude de tous, et avant tout à sa propre solitude. Un film d’une grande délicatesse, qui attendrit tout en racontant des savoirs faires oubliés. 

Des savoirs faire, un patrimoine immatériel en perdition c’est précisément ce qui touche Alain Cavalier et le motive à prendre sa caméra. Pour sa protection, l’UNESCO a mis en place un programme de développement durable pour les villes créatives de l’UNESCO.  

Un programme pour 2030 qui s’articule en cinq points : 

  • La croissance durable et l’entrepreneuriat
  • La connaissance et les savoir-faire 
  • L’inclusion, l’égalité et le dialogue 
  • La régénération urbaine 
  • La transition écologique et la résilience 

➥ Regarder : Les 24 portraits d’Alain Cavalier (1987) 

https://vod.mediatheque-numerique.com/films/12-portraits-1ere-serie

https://vod.mediatheque-numerique.com/films/12-portraits-2e-serie

➥ Écouter le podcast ♬ :  L’heure bleue : Alain Cavalier l’artisan avec Laure Adler,  28 juin 2017

https://www.franceinter.fr/embed/player/aod/5f5909f2-e472-451f-9cc3-92de94d81b64

➥ Pour en savoir plus sur le programme Creatives cities de l’UNESCO : https://fr.unesco.org/creative-cities/ 

Cet article n’engage que son auteure !

Article de : Mariette Boudgourd

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[Rubrique culturelle : les Olmèques et les cultures du Golfe du Mexique]

Cette semaine nous avons décidé de vous parler de l’exposition sur les Olmèques et les cultures du Golfe du Mexique que vous pourrez aller voir puisqu’elle se tient au Musée du Quai Branly jusqu’au 25 juillet 2021 ! Cette exposition est particulièrement impressionnante puisqu’environ 300 objets sont présentés, dont 80 pour cent d’entre eux n’ont jamais été exposés à l’extérieur du Mexique !

Avant de pouvoir vous y rendre, nous vous proposons pour ce week-end d’aller voir la visite guidée filmée que le musée a publié sur Youtube.

La visite se déroule en 3 épisodes d’environ 5 minutes, consacrés chacun à une salle de l’exposition. C’est Steve Bourget, responsable des collections Amériques du Quai Branly, qui anime la visite et a choisi de commenter quelques œuvres phares et représentatives des cultures du Golfe du Mexique, à différentes périodes qui précèdent l’arrivée des colons espagnols sur le continent américain. J’ai sélectionné pour vous quelques œuvres présentées lors de cette visite.

La culture Olmèque

Dans la première partie de la visite, Steve Bourget nous parle de la culture Olmèque, qui est considérée comme la civilisation-mère de la Mésoamérique. En effet, elle a initié des traits culturels qui vont se propager dans toute cette aire culturelle jusqu’à l’arrivée des colons.

La première œuvre présentée lors de la visite guidée est la sculpture : le « Seigneur de las Limas », découverte en 1965 à Las Limas. Le personnage qui est allongé dans les bras de celui qui se tient en tailleur serait probablement le dieu de la pluie, associé à l’émergence du maïs et de l’agriculture. Les motifs sur son corps : deux rectangles ornés d’une croix centrale, représentent les insignes du pouvoir et sont des motifs récurrents dans la culture Olmèque. Le maïs est également fortement présent dans l’iconographie des cultures de Mésoamérique, puisqu’il est l’aliment de base des populations, et il est également associé à la fertilité.

Le « Prince », une sculpture d’un dirigeant Olmèque, nous permet d’observer les canons de représentation propres à cette sculpture : des lèvres charnues aux commissures tombantes, des yeux rapprochés et fendus.

Enfin, Steve Bourget nous parle de la stèle C de Tres Zapotes, qui a révolutionné la vision de la Mésoamérique, puisqu’elle représente une partie du calendrier, du compte long qui donne une date précise à l’aide de traits gravés. La partie supérieure de la stèle n’a été retrouvée que dans les années 70, et a permis de révéler que le calcul du compte long auparavant établi par les chercheurs avait un décalage de 250 ans !

Les femmes et les hommes des cultures du Golfe du Mexique

Cette salle porte sur 3000 ans d’art sculptural des civilisations du Golfe du Mexique.

L’ « adolescent huastèque » a été découvert sur le site de Tamohi, il représente les canons de la beauté huastèque. Nous pouvons remarquer sa déformation crânienne, une pratique très répandue en Mésoamérique, et les lobes de ses oreilles sont très distendus. Son corps est gravé de symboles du maïs.

Il est probablement le dieu du Maïs : un mythe raconte qu’il part chercher son père dans l’inframonde pour lui montrer le monde des vivants où l’on cultive cette plante. Dans la visite virtuelle, nous pouvons voir dans son dos un petit personnage la tête renversée, qui serait surement son père. Dans le mythe de cette civilisation, on raconte en effet que l’accès au monde des morts rétrécit la taille humaine.

Le registre des sculptures est très différent selon les époques, puisque  cette stèle réalisée en bas-relief présente ici un autosacrifice : le personnage se perfore la langue. Il y a une claire influence Maya dans cette représentation puisque les rois Mayas se représentaient souvent en train de se perforer la langue dans le cadre de rituels aux dieux. Ces derniers se seraient sacrifiés pour créer le monde, donc le souverain, en sacrifiant une partie de son anatomie, marque le lien particulier qu’il a avec les dieux de par son pouvoir : il se divinise littéralement par cet acte.

Le site de Tamtoc

Ce site est la capitale de la civilisation Huastèque dans le Golfe du Mexique. Il est extrêmement étendu et compte des dizaines d’édifices architecturaux.

C’est dans un bassin d’eau présent sur ce site qu’a été retrouvée la statue de la femme nue. Ce bassin est consacré au dépôt d’offrandes dans le cadre de rituels religieux : des céramiques, des corps humains y ont été déposés…

Une sculpture a un style qui se distingue de toutes les autres productions artistiques de Mésoamérique : un corps de femme sculpté scarifié, et la forme de ces scarifications fait penser à des grains de maïs. Cela permet d’associer cette sculpture à un symbole de fertilité, il s’agit donc peut-être d’une représentation de la déesse du maïs. La représentation Huastèque de corps nus est très répandue, mais cette œuvre est pourtant unique en son genre !

Vous l’aurez donc compris, le choix des œuvres commentées par Steve Bourget tient en ce qu’elles permettent de comprendre rapidement les caractéristiques principales des cultures du Golfe du Mexique. Celles-ci sont nombreuses et s’épanouissent durant plusieurs millénaires jusqu’à l’arrivée des colons espagnols qui bouleversent de manière irrémédiable ces civilisations, et donc leur culture matérielle, que nous pouvons aujourd’hui admirer dans cette exposition du Quai Branly !

Pour visionner cette visite guidée en trois parties et découvrir plus d’œuvres et de détails, c’est ici :

https://www.youtube.com/watch?v=WKn3ZxG13CI

Si vous souhaitez réserver votre visite sur le site du musée :

http://www.quaibranly.fr/fr/expositions-evenements/au-musee/expositions/details-de-levenement/e/les-olmeques-et-les-cultures-du-golfe-du-mexique-38518/

Article de : Manon Etourneau

Cet article n’engage que son auteure.

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[Portraits de personnalités inspirantes : Margaret Keane l’ombre des Big Eyes (1927) ]

Margaret Keane est une artiste peintre américaine connue pour ses portraits originaux d’enfants et d’animaux aux yeux surdimensionnés mais dont le mérite a longtemps été attribué à son ancien époux, Walter Keane.

Margaret Keane, de son vrai nom Peggy Doris Hawkins, est née le 15 septembre 1927 à Nashville dans le Tennessee. Immergée dans l’art dès son plus jeune âge, très vite elle témoigne de son penchant pour la création de personnages aux grands yeux menaçants. Elle ira étudier au Watkins Art Institute de Nashville et à la Traphagen School of Design de New York avant d’épouser Frank Ulbrich avec qui elle aura une fille, Jane. 

Le travail de Margaret Keane est influencé par Amedeo Modigliani sur la façon dont elle peint les femmes. Van Gogh, Gustav Klimt et Picasso ont également influencés Margaret dans l’utilisation de la couleur, la dimension et la composition de ses toiles. Elle travaille à la fois sur des peintures à l’acrylique et à l’huile.

Le basculement de sa vie commence au début des années 1950, lorsqu’elle quitte son époux avec sa fille, et décide de s’installer à San Francisco. Alors que sa nouvelle vie dans sa nouvelle ville débute, Margaret rêve de pouvoir vivre de ses peintures représentant les êtres vivants qui l’entourent. Elle leur dessine de grands yeux, ressemblant à des biches, qui permettent de traduire les émotions qui se cachent dans chacun de ses personnages. Elle en fait sa signature à travers des portraits d’enfants et se concentre sur les yeux car dévoilant plus la personne intérieure. On retrouve dans ses tableaux la joie, la compassion et l’amour. Ce feu d’artifice de sensations, distingue Margaret des autres artistes de son époque. 

C’est à cette même époque, en 1953, qu’elle rencontre Walter Keane avec qui elle se marie à Honolulu en 1955. A partir de ce moment commencent les années d’oppressions subies par Margaret. En effet, celui-ci réussit à s’approprier les toiles de Margaret et vend les oeuvres de son épouse sous son nom. Alors que ces oeuvres remportent un grand succès, la véritable artiste reste dans l’ombre de son mari. 

Après 10 ans de vie commune, Margaret Keane part s’installer à Hawai et décide de se rendre justice. Après l’approfondissement de sa foi en devenant Témoin de Jéhovah, elle dénonce la supercherie de son mari grâce à une radio locale. Alors que Walter Keane réclame des droits sur les oeuvres, le conflit mène au divorce des deux époux. Lors du procès, Margaret prouve qu’elle est bien l’auteur des tableaux et peint elle-même une toile devant le juge en 53 minutes. Walter Keane, quant à lui, refuse de se prêter au jeu. La vérité est rétablie et Margaret reçoit des dommages et intérêts.

Le nom de Margaret Keane a été remis sur le devant de la scène grâce à l’adaptation cinématographique de son destin, comme dans Sleeper (1973) de Woody Allen et dans Big Eyes (2014) de Tim Burton. Dans Big Eyes Tim Burton met à la lumière du grand public la vie et l’oeuvre de l’artiste, ainsi que la scandaleuse injustice infligée par son ancien mari. Ce film biographique met en scène Margaret, jouée par l’actrice Amy Adams, et Walter, joué par l’acteur Christoph Waltz. On voit également l’artiste apparaitre elle même dans l’une des scènes du film.

Aujourd’hui, Margaret Keane continue de peindre chez elle, à Napa, en Californie. L’explication de ses oeuvres se trouve dans ses mots: « Les yeux que je dessine sur mes enfants sont une expression de mes sentiments les plus profonds. Les yeux sont les fenêtres de l’âme ».

Cet article n’engage que son auteure.

Article de : Nastasia Syed

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[Les Fourmis de Bernard Werber : à la rencontre d’un monde souterrain]

Publié en 1991, Les Fourmis de Bernard Werber est le premier tome d’une trilogie plongeant le lecteur au sein d’un univers inconnu de l’homme : celui des fourmis et autres insectes se trouvant sous nos pieds.

Deux histoires pour le prix d’une

Ouvrir cet ouvrage de Bernard Werber, c’est non seulement découvrir un monde nouveau, celui des fourmis, mais c’est aussi être tenu en haleine jusqu’aux dernières pages grâce à une intrigue policière. Ce sont deux histoires aux univers bien distincts qui s’entrecroisent : l’une se déroulant dans le monde des humains et l’autre dans celui des insectes. Aux premiers abords, elles semblent n’avoir aucun lien entre elles, mais elles finiront par se rejoindre. 

Les Fourmis c’est d’abord un roman policier. À la mort de son oncle biologiste, Jonathan Wells hérite de l’ancien appartement de celui-ci. S’aventurant dans la cave, il va découvrir les travaux menés par son oncle au sujet de l’univers des fourmis. Cependant, un jour, Jonathan ne remonte pas de la cave. Va s’ensuivre alors une succession de mystérieuses disparitions des personnes parties tour à tour à sa recherche. 

Les Fourmis, c’est ensuite une plongée, aux allures de documentaire, au sein d’un monde qui se trouve sous nos pieds ; celui des fourmis. Bernard Werber nous conte le quotidien d’une fourmilière au travers des aventures de trois fourmis. On y apprend leur mode de fonctionnement, leurs guerres, l’histoire de leur colonie… 

Ces deux histoires sont relatées à tour de rôles, mais sont également entrecoupées par des extraits de L’encyclopédie du savoir relatif et absolu. Cet ouvrage, écrit de son vivant par l’oncle de Jonathan, est composé de réflexions philosophiques, d’informations biologiques, mais également d’anecdotes farfelues, et d’énigmes logiques. 

« La nature hait l’uniformité et aime la diversité. C’est là peut-être que se reconnaît son génie »

Au sein de ce roman, l’auteur nous livre les pensées de ces insectes, il les dote même de la parole. Les fourmis sont humanisées, elles ont leur humour, leurs histoires d’amour et leurs rivalités, leurs guerres et leurs services secrets.      

On ne peut alors s’empêcher d’établir des parallèles entre leur univers et celui des humains. On s’amuse à découvrir leurs différences et leurs similitudes, et on en revient presque alors à envier cette société fourmilière fondée sur la solidarité qui pourrait être un exemple d’organisation sociale pour les humains.

Les fourmis ont été là avant nous et le seront sans doute après, elles sont plus nombreuses, plus résistantes et semblent parfois plus humaines.

Ainsi, avec son premier ouvrage Bernard Werber nous surprend grâce à un sujet original reposant sur une écriture fluide et un récit intelligemment construit alternant deux intrigues.

Les extraits d’encyclopédie, aérant l’histoire, nous permettent non seulement d’en apprendre un peu plus sur le monde des insectes, et ce de manière ludique grâce à une vulgarisation scientifique évoquant leur morphologie, leur mode de reproduction ou encore la répartition des rôles au sein d’une fourmilière. Mais ces extraits invitent également à la réflexion sur nos modes de consommation, ou tout simplement notre manière d’envisager la vie.

Petit bémol cependant pour l’histoire se déroulant dans le monde des humains : parfois un peu répétitive et redondante, certaines actions auraient sans doute gagné à être écourtées. De même pour le dénouement de l’enquête qui peut sembler quelque peu absurde. 

Ceci dit, si vous cherchez un roman facile à lire, capable de vous divertir autant que de vous instruire, Les Fourmis de Bernard Werber est fait pour vous. À la fin de la lecture, il ne fait aucun doute que vous ne regarderez plus jamais les insectes de la même façon. 

Article de : Fatma Kebe

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Unesco Sonu Idées de sorties

[Rubrique culturelle : exposition Soleils Noirs]

C’est une exposition très touchante qui se tient actuellement au Louvre Lens, jusqu’au 25 janvier prochain.

En guise d’introduction la direction du musée rappelle comme il tient à coeur de donner la parole à cette couleur qui est emblématique de l’histoire de la région du Pas de Calais. De manière très naturelle c’est ainsi que l’espace du musée rend hommage au passé minier qui se trouve sous ses fondations.

Au fil des pièces du musée, peintures, sculptures et fragments monumentaux orchestrent une symphonie envoûtante, qui rassemble en un congrès éblouissant des oeuvres que le temps sépare de plusieurs siècles voire millénaires.

De la statuaire égyptienne, à l’aube du XXI e siècle une histoire vivante du noir se dévoile peu à peu en laissant la belle part à notre imaginaire individuel et collectif. Notre rapport à l’obscurité s’interroge, et les contrastes se font de plus en plus nets dans notre perception: vision réelle ou vision rêvée, mort et éternité, l’ombre et l’éblouissement, mystères et évidences…On en retient que ces dualités semblent nécessaires à la prise de conscience de la force des beautés multiples.

On rencontre un rideau de nuit et le basculement du jour, dans la peinture du XIX e siècle qui trône tout au long du parcours. En filigrane, l’art sacré médiéval et la spiritualité sont clairement expliqués et s’en suit la représentation ténébriste de la figure humaine. Le noir inséparable de la lumière permet d’admirer le lien entretenu avec cette densité dans l’histoire des idées, et en peinture une délicate histoire du costume nous introduit aux différentes pensées qui se conjuguaient dans le port du noir, témoin de prospérité, de sobriété religieuse et de deuil.

Il est très intéressant de comprendre quelles sources mènent à une telle production, et c’est ainsi que se croisent les textes sacrés, la mythologie, et la poésie en particulier avec la série des Noirs d’Odilon Redon inspirée des vers d’Edgar Allan Poe par exemple.

La richesse de cette exposition repose sur la diversité de la provenance des œuvres présentes au Louvre Lens, sur leur grand format tel l’Ombre de Rodin, mais aussi par les formes qu’elle prend tout particulièrement en ce moment de flottement et d’adaptation vitale pour les musées en ces temps de confinement.

Les organisateurs ont dû composer une installation surprise par des annulations de prêt et adapter la scénographie des salles en conséquence. De plus, c’est avec un grand enthousiasme que nous pouvons encore participer à ce voyage grâce aux contenus virtuels créés pour maintenir l’expérience artistique. Le site du louvre lens à la maison propose une réinvention de la médiation à travers des explications d’oeuvres en podcasts ( https://www.louvrelens.fr/podcasts-exposition-soleils-noirs/ ), une visite virtuelle et diverses activité en lien avec cette exposition d’une grande beauté.

Pour continuer le voyage:

Visite Virtuelle par la directrice du Louvre Lens

SOLEILS NOIRS

L’univers d’Odilon Redon:

https://www.connaissancedesarts.com/arts-expositions/odilon-redon-noirs-et-lumineux-dessins-symbolistes-11137628/

ns-symbolistes-11137628/

Soulages et Hartung, une amitié scellée dans le noir

http://www.lecurieuxdesarts.fr/2018/03/une-amitie-scellee-dans-le-noir-pierre-soulages-et-ha

ns-hartung-christie-s-paris.html

Les Fables de La Fontaine illustrées par Gustave Doré

https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k65833937/f243.item

Article de : Albane Aumond Levesque

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Unesco Sonu Acteur.ices de la culture

[Acteurs de la culture : Interview d’Héloïse Guyard, artiste plasticienne]

Héloïse Guyard est artiste plasticienne. En plus de la production d’œuvres, elle organise des ateliers et expose ses œuvres dans des écoles, collèges, lycées et universités, situés dans des zones ayant peu ou pas accès à la culture. Lors de ces échanges avec les élèves, elle les incite à développer un esprit critique.

Voici la transcription de l’Interview :

Bonjour, pouvez-vous vous présenter en quelques mots ?

Bonjour, je m’appelle Heloïse Guyard. Je suis artiste plasticienne. J’habite en Normandie où je travaille et je travaille également à Paris où j’ai gardé un petit atelier.

Pouvez-vous présenter votre formation (études, réorientation…) ?

J’ai un parcours un peu particulier. Après le bac, j’ai d’abord commencé par un an aux Ateliers de Sèvres à Paris, pour préparer les concours des grandes écoles d’art. Je n’ai pas eu les écoles que je voulais donc je suis allée aux Ateliers Beaux-Arts de la ville de Paris, à Glacière dans le XIIIème arrondissement, j’ai adoré ! J’ai eu les Beaux-Arts de Marseille mais je suis partie au bout de 3 mois. Je n’ai pas du tout été heureuse dans cette école. Je suis retournée à Glacière et j’ai terminé mon année là-bas. J’ai eu les Arts-Déco de Paris et j’ai été très fière d’avoir eu le concours mais j’ai été aussi malheureuse et au bout d’un an je suis partie. Les grandes écoles d’art ne m’intéressaient pas vraiment. A partir de là, j’ai voyagé, j’ai fait des carnets de voyage et je suis partie 6 mois en Amérique Latine. En rentrant, j’ai commencé à exposer et à donner mes premiers cours de dessin. Finalement, je suis diplômée d’un DNSEP ART (Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique) aux Beaux-Arts du Havre, que j’ai fait en V.A.E (Validation des Acquis et de l’Expérience). Quand j’ai eu mes enfants je me suis dit que c’était bien d’avoir ce diplôme au cas où, si un jour je voulais enseigner. Voilà pour ma formation un peu chaotique !

Je ne me suis jamais réorientée dans la mesure où j’ai toujours su ce que je voulais faire. C’est juste que la façon d’y arriver n’était pas la bonne pour moi. Je n’ai pas trouvé ma place dans les grandes écoles d’art.

Qu’est-ce qui vous a personnellement déçu dans les grandes écoles d’art ?

Il y avait une très très grande exigence au concours : il fallait être très cohérent… J’étais contente d’avoir eu ces concours mais une fois en cours ce n’était pas ce à quoi je m’attendais : c’était trop scolaire. J’étais habituée à Glacière à être en atelier avec un professeur et un cadre mais nous étions très libres dans ce cadre. Les premières années aux Beaux-Arts de Marseille et aux Arts-Déco de Paris je n’ai pas retrouvé cette liberté dans le cadre : il n’y avait que le cadre qui m’énervait. J’ai eu certains professeurs super, mais je ne me voyais pas y rester 5 ans.

Etes-vous restez en contact avec des personnes rencontrées durant vos études ?

J’ai gardé contact avec mon professeur d’atelier de Glacière, Olivier Di Pizio. On expose ensemble avec beaucoup d’autres artistes dans un salon qui organise une exposition annuelle à Paris et des « hors les murs » en France et à l’étranger. J’ai gardé une très bonne amie des Arts-Déco et j’ai encore des contacts avec d’autres élèves qui étaient avec moi en atelier. Ces expériences créent un réseau encore large aujourd’hui

Est-ce que vous avez déjà songé à former des projets artistiques ensemble (au stade de projet ou abouti) ?

J’ai déjà travaillé avec certains d’entre eux. Pour d’autres anciens camarades c’est plus compliqué car nos travaux sont trop différents.

Pouvez-vous nous présenter la profession que vous exercez aujourd’hui ? Depuis quand exercez-vous ?

            J’exerce officiellement depuis 2006, l’année où je me suis inscrite à la Maison des Artistes  et où je me suis déclarée micro-entreprise. En revanche, j’ai toujours peint et dessiné et j’ai fait ma première exposition en 2001, dans mon appartement, chez mes parents, avec mes proches. Et depuis je n’ai jamais arrêté.

            Je suis artiste plasticienne donc dans mon métier il y a une grande partie de création, où je suis à l’atelier. C’est de la recherche plastique : je dessine, je peins, je fais de la céramique… C’est de la production d’oeuvres en atelier. C’est la partie que je préfère ! Il y a une autre partie assez chronophage mais indispensable : répondre à des appels à projet. Je monte des dossiers : je fais de la rédaction, de la mise en page, des lettres de motivation, des notes d’intention… Les dossiers sont pour des appels à projet d’expositions, pour des résidences, pour des médiations en école…

La dernière partie de mon métier est la transmission. J’anime des ateliers chez moi en Normandie dans mon atelier ou dans mon atelier de Paris. C’est régulier, il y a des enfants et des adultes qui viennent. Je vais également régulièrement dans des écoles ou des associations pour des projets ponctuels.

Pouvez-vous nous en dire plus sur votre processus créatif et vos démarches dans la création de vos oeuvres ?

Je travaille essentiellement le dessin. Je travaille toujours dans un processus, qui est le même depuis plus de 10 ans environ, où je puise un motif dans l’infinité des motifs offerts par la nature. Il s’agit de la nature au sens très large, c’est-à-dire que j’ai fait des séries à partir du corps humain, à partir des cellules, des veines, des muscles…J’ai travaillé à partir du végétal, à partir d’images de cactus (CF photographies), du minéral, du monde animal avec le plumage par exemple, ou même à partir de la géographie et la cartographie (méandres des fleuves…). Une fois le ou les motifs choisis, je les observe et je me fais une petite collection d’images, soit à partir de livres, soit d’internet, soit de photographies. Après observation, j’extrais des fragments et des morceaux de ces motifs que je dessine et répète puis transforme. Je pars de quelque chose de très figuratif et qui va tendre peu à peu vers l’abstraction. Je questionne en permanence cette limite entre figuration et abstraction et chacun peut ensuite imaginer ce qu’il veut, chacun y voit ce qu’il veut. Je suis dans un processus très lent de création : je répète en permanence les motifs, c’est très minutieux et il a un aspect presque pénible. Dans mon travail, il est très important pour moi de me poser dans mon atelier, dans un monde où tout va vite et tout doit être rentable. Je retrouve de la lenteur dans ce que je fais.

            Je choisis également des moyens simples : un petit feutre noir à mine fine, un petit carnet en papier recyclé, je dessine sur des morceaux de tissus récupérés (CF photographies) ou je prends une craie ou un fusain et je fais une fresque en direct sur un mur… J’aime ce côté direct et simple. Tout le monde peut utiliser ces mêmes moyens.
            J’aime aussi la simplicité dans la présentation. Je peux envahir une pièce immense avec seulement une accumulation de petites choses. Par exemple, j’ai, dans des enveloppes, des centaines de petits dessins que j’épingle directement au mur. Je remplis ainsi un mur avec quelque chose qui rentre presque dans ma poche. J’apprécie ce concept de pouvoir exposer dans un lieu, sans dispositif complexe. C’est parfait pour travailler dans une école avec des élèves : lorsque l’on est nombreux et que l’on a un peu de temps, on peut faire quelque chose de gigantesque avec de petites choses. C’est un travail collectif.

Qu’est-ce qui vous a poussé à sortir de votre atelier pour faire de la médiation culturelle et faire découvrir votre univers créatif au sein d’écoles ?

D’abord le goût de transmettre, d’échanger et de discuter sur la création. La volonté d’amener chacun à s’interroger et à développer son esprit critique. Que chacun puisse prendre parti et avoir ses arguments. Les médiations culturelles sont essentielles pour cela. Je leur apporte mais les élèves m’apportent aussi énormément dans ces échanges.

Ensuite, compter uniquement sur la vente d’oeuvres est trop incertain donc c’est aussi un complément de revenus.

Pouvez-vous partager avec nous une oeuvre ou un artiste ayant marqué votre carrière ?

Il y a énormément d’oeuvres et d’artistes qui me nourrissent. Mais si je devais en citer une seule, ce serait le travail photographique de Karl Blossfeldt. C’est un artiste allemand du début du XXème siècle, qui enseignait le dessin aux Beaux-Arts de Berlin. Il partait du motif universel qu’est la plante et la mettait en scène de manière très rigoureuse avant de la prendre en photo en noir et blanc. Mon professeur Olivier Di Pizio m’a conseillé ce petit livre de Karl Blossfeldt* et ça a été vraiment le point de départ de tout mon processus créatif, encore aujourd’hui. Ce travail est fondateur pour moi.

Est-ce que vous pouvez nous parler plus en détail de vos activités au sein des écoles ?

Par exemple cette année j’ai été prise dans un dispositif de la D.R.A.C (Direction Régionale des Affaires Culturelle) Normande qui s’appelle « De Visu ». Nous avons été 34 artistes sélectionnés et dispatchés. Nous faisons des expositions dans des collèges, lycées ou universités, dans des endroits qui n’ont pas ou très peu accès à la culture. C’est donc la culture qui vient aux élèves. Ce qui est très chouette dans ce dispositif c’est que l’artiste a une vraie exposition personnelle puisque l’établissement engagé dans ce dispositif possède un espace d’exposition dédié. C’est assez rare de pouvoir montrer une centaine d’oeuvres d’un coup, souvent ce sont des expositions collectives. Les élèves visitent donc l’exposition, on échange sur le travail, je leur fais faire des ateliers, on crée des oeuvres collectives….Ce système là est super puisqu’il permet à l’artiste de montrer son travail de manière qualitative et parce que c’est un partenariat avec les professeurs, d’autres partenaires et les élèves. Je le fais dès que je peux. Je vais aussi dans les écoles pour faire du porte à porte et s’il y a du budget et que les professeurs sont partants, j’organise des ateliers.

Que conseillerez-vous à une personne qui souhaite se lancer dans la voie artistique ?

De parler directement avec des artistes et de bien se renseigner sur l’école qu’ils souhaitent faire. Je pense que pour ma part je n’étais pas assez renseignée et que j’aurais rêvé de faire les Beaux-Arts de Paris mais je les ai présenté trop tôt donc je les ai raté. Comme on ne peut pas les présenter plus que 2 fois, la fois où j’étais pas loin de l’admission mais où je ne les ai pas eu, c’était trop tard ! Il faut aussi discuter avec des artistes ayant fait différentes écoles et voir ce qui vous plait. L’école n’est pas forcément obligatoire. C’est davantage la rencontre et l’échange ! Il faut faire et montrer ce qu’on fait. Il faut aller chercher les appels à projet : sur le CNAP (Centre National des Arts Plastiques) ou la FRAAP (Fédération des Réseaux et Associations d’Artistes Plasticiens) par exemple.

Auriez-vous un conseil pour la vie de tous les jours, pour le confinement par exemple, pour que chacun puisse se dire qu’il sait quoi faire de ses dix doigts ?

Je n’ai pas vraiment de conseil à donner, ne vivant moi-même pas très bien ce confinement : je ne peux plus donner mes cours ni exposer,  5 de mes expositions ont été annulées cette année… Mais je dirais que ce qui m’aide à tenir c’est de continuer à faire, continuer à dessiner. Je persévère ! C’est ce que je fais en général, persévérer, puisque le métier d’artiste n’est pas simple.

  • Karl Blossfeldt, éditions Taschen.

Sites :

Pour voir le travail d’Héloïse Guyard : https://www.heloiseguyard.com/

Instagram : @heloiseguyard

Facebook : Heloïse Guyard

Site de la FRAAP : https://fraap.org/

Site du CNAP : https://www.cnap.fr/

Pour en savoir plus sur ses œuvres, vous pouvez vous rendre sur son site internet : https://www.heloiseguyard.com/

Interview réalisée par : Agathe Passerat de la Chapelle

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Unesco Sonu Culture

[La femme au tableau et la question de la restitution des biens]

La technique méticuleuse de pose de feuilles d’or et la préparation lente et précise par l’un des peintres symbolistes les plus célèbres de l’histoire de l’art, sur son oeuvre la plus représentative et controversée, sont des images constituant l’ouverture de La Femme au tableau, sorti en 2015 et réalisé par Simon Curtis.

Cette oeuvre cinématographique retrace le parcours juridique entrepris par Maria Altmann, interprétée par Helen Mirren, pour récupérer cinq tableaux de Gustav Klimt -dont le Portrait d’Adele Bloch-Bauer I- que sa famille possédait et qui avaient été volés par les nazis puis confiés au musée du Belvédère à Vienne, en Autriche.
En effet, ce portrait d’Adele Bloch-Bauer, tante de la protagoniste, avait été rebaptisé The Woman in Gold (également le titre original du film), dans le but de dissimuler l’identité juive du sujet. Spolié par le régime nazi en 1938 à Vienne, conséquemment à l’annexion de l’Autriche par celui-ci, de nombreux biens de la famille juive Bloch-Bauer sont saisis illégalement dont le Portrait d’Adele Bloch-Bauer I qui est acquis illégalement par le musée national du Belvédère à Vienne, au sein duquel l’oeuvre sera exposée pendant de nombreuses décennies. Néanmoins, la nièce d’Adele Bloch-Bauer décide en 1999 d’engager des procédures à l’encontre du gouvernement autrichien pour la restitution du tableau, considéré comme un bien familial. Assistée par le jeune avocat de Los Angeles, également d’ascendance juive, Eric Randol Schoenberg, qui est joué par Ryan Reynolds, le duo s’embarque dans une odyssée historique émotionnelle, animé par un désir de justice lié notamment aux souvenirs douloureux de la Seconde Guerre Mondiale et de ses conséquences.

Si le film est assez classique et sans surprise dans son ensemble, empruntant le schéma traditionnel des films historiques entre flashbacks et linéarité dans sa mise en scène, les performances et le sujet même de l’oeuvre -encore peu traité au cinéma- qui concerne la restitution des biens, convainquent le spectateur de son intérêt, d’autant plus que le film se révèle efficace pour expliquer de manière concise le contexte paradoxal dans lequel nous vivions.

En effet, l’oeuvre de Simon Curtis illustre le paradoxe qui s’installe entre la volonté, dans un contexte diplomatique et culturel, pour le gouvernement autrichien -mais cela pourrait aussi concerner les gouvernements britannique et français avec la question coloniale par exemple- de reconnaitre les erreurs passées dont le vol de plusieurs biens appartenant à des familles juives spoliées pendant la Seconde Guerre Mondiale; et d’autre part, d’un point de vue pratique et légal, le déni par les institutions culturelles de l’acquisition illégale de ces biens en question.

Par conséquent, les représentants du gouvernement autrichien s’entêtent à poser des obstacles procéduraux dans cette affaire Maria Altmann vs République d’Autriche, qui devient rapidement retentissante et est même jugée par la Cour suprême des Etats-Unis en 2004, qui considère les tribunaux américains compétents pour juger l’affaire.

Finalement, l’affaire est tranchée par arbitrage en Autriche, dont le jugement donne raison à Maria Altmann exigeant la restitution des cinq tableaux réalisés par Gustave Klimt.

La Femme au tableau n’éblouit pas par son originalité mais a le mérite de s’attaquer à une question trop peu traitée au cinéma, et pourtant bien présente dans la société, à savoir la restitution des biens.

Grâce à une mise en scène efficace et concise, les principaux enjeux de cette affaire, notamment culturels, historiques, politiques et éthiques, ne sont pas simplifiés et dénués de leur complexité, avec la volonté de préserver cette oeuvre -considérée comme un symbole pour de nombreux Autrichiens et nommée la « Mona Lisa » autrichienne- au Musée du Belvédère, qui s’oppose à un désir de justice et la recherche implicite d’une réparation émotionnelle de la part de Maria Altmann.

S’achevant sur une image forte du duo gagnant Altmann-Schoenberg (Helen Mirren et Ryan Reynolds), le film donne la satisfaction au spectateur d’assister à une victoire des outsiders, obtenant une justice qui n’a pas de prix.

Pour aller plus loin :

  • Joséphine Bindé, « Splendeurs et tourments de la « dame en or » de Gustav Klimt », Beaux Arts
    Magazine, 19 juin 2020 (https://www.beauxarts.com/grand-format/les-vicissitudes-de-la-dameen-
    or/?fbclid=IwAR0Ut9nPnY1G6ouP3MmBlgeBaAZ22YtkjccZNt3Jz3SbVddz5L_yXJFIsGA)
  • Patricia Cohen, « The Story Behind ‘Woman in Gold’: Nazi Art Thieves and One Painting’s
    Return », The New York Times, 30 mars 2015 (https://www.nytimes.com/2015/03/31/arts/
    design/the-story-behind-woman-in-gold-nazi-art-thieves-and-one-paintings-return.html)

Article de : Noémie Ngako

Cet article n’engage que son auteure.

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